Chaque film de Steven Spielberg classé du pire au meilleur

Retour complet sur la carrière du cinéaste

Il n'y a pas eu un seul cinéaste - peut-être dans l'histoire du médium - pour capturer l'air du temps populaire comme l'a fait Steven Spielberg. Dire que quelque chose est "Spielbergien" évoque un ensemble très spécifique de critères - cela implique probablement des enfants (ou est du moins vu à travers la lentille mielleuse de l'expérience adolescente), un scénario étrange (un archéologue chasse des artefacts occultes, les dinosaures reviennent à la vie) et un puissant mélange de peur et de crainte, parfois dans la même séquence ou au même moment. Ces idées et concepts sont généralement véhiculés par des mouvements de caméra techniquement inégalés qui sont encore quelque peu discrets (nous entrons dans le "Spielberg oner" plus tard). Il est le réalisateur le plus connu de tous les temps et, comme "The Fabelmans" l'a prouvé, continue de proposer des divertissements de premier plan qui se doublent également d'une œuvre d'art imposante.

Il a également réalisé de très nombreux films. Au cours de ses 50 ans de carrière, Steven Spielberg a réalisé 34 longs métrages, et d'autres sont en préparation (comment n'a-t-il jamais fait de western ?) Et chaque nouveau film de Spielberg est un événement.

Nous présentons humblement ce regard complet sur sa filmographie - du moins génial au réarrangement moléculaire étonnant :

Steven Spielberg réalisant un segment pour un film "Twilight Zone" (un qu'il a également produit) ressemble à l'association parfaite du cinéaste et de la propriété. Après tout, le premier film de Spielberg "Duel" était basé sur une histoire de Richard Matheson, qui a écrit plus d'une douzaine d'épisodes de la série originale et plusieurs autres tranches de reprises ultérieures. Mais après qu'une tragédie sur le plateau a entraîné la mort de trois personnes, Spielberg s'est éloigné de l'épisode original qu'il avait l'intention d'adapter et a plutôt opté pour une nouvelle itération de "Kick the Can", un épisode oubliable de 1962 sur les personnes âgées à qui on accorde une jeunesse temporaire. Toutes les choses que les critiques prétendent que Spielberg est – sucrées, s'appuyant sur la magie au lieu de la vérité émotionnelle – sont contenues dans ce segment. Même la partition mielleuse de Jerry Goldsmith ne peut pas faire grand-chose pour améliorer ce non-sens, qui met en vedette Scatman Crothers comme le pire type de cliché "Magical Negro" et se sent infiniment plus long que les autres segments plus méchants (dont le meilleur est la version de George Miller de l'immortel "Nightmare at 20,000 Feet"). Le morceau de Spielberg aurait dû être le point culminant du film, c'est plutôt le point bas.

Il est difficile de se sentir mal pour Disney, mais vous devez au moins apprécier le fait qu'ils ont conclu un accord long et coûteux pour distribuer les films DreamWorks pour avoir la chance de sortir enfin (enfin !) un film de marque Disney réalisé par Steven Spielberg. Et c'est le film qu'il a finalement choisi de faire. Bruyante et pas drôle, cette adaptation animée de l'histoire de Roald Dahl (le dernier scénario de sa scénariste "ET" Melissa Mathison) est totalement inutile et instantanément oubliable. Spielberg avait flirté avec le projet depuis le début des années 1990 et avait initialement désigné Robin Williams comme une piste potentielle; finalement, il est allé avec son évasion "Pont des espions" Mark Rylance, transformé en un géant imposant et captivant par les génies de Wētā FX. Tout ressemble à un étrange méli-mélo de tons et de styles contradictoires, de la dureté de la cinématographie typiquement surmenée de Janusz Kaminski dans ce qui était censé être, au moins en partie, une histoire chaleureuse et floue au coucher, aux détails de script étranges comme le péter de la reine, les corgis volants. Spielberg n'a jamais raté la cible aussi largement qu'il l'a fait avec "The BFG".

Ils auraient dû être assez bien seuls. "Indiana Jones et la dernière croisade" s'est parfaitement terminé - avec nos héros qui s'envolent littéralement vers le coucher du soleil. Mais George Lucas a commencé à bricoler une idée qui ferait entrer Indiana Jones (Harrison Ford) dans les années 1950 avec une intrigue tirée d'un film de science-fiction drive-in. Lucas a présenté l'idée à Ford lors du tournage de l'épisode de Ford de "The Young Indiana Jones Chronicles". L'idée impliquait initialement Roswell mais est devenue plus tard un crâne de cristal en Amérique du Sud. Et le dernier film ressemble à un film où les idées se font concurrence (et les unes contre les autres) – le désir de Lucas d'avoir un hommage de science-fiction des années 1950 niché dans l'aventure classique de la série semble incongru, tout comme la série échangeant les nazis (un incontournable d'un scénario supérieur antérieur de Frank Darabont) pour les Russes, dirigé par une psychique Cate Blanchett dont les pouvoirs surnaturels n'améliorent pas réellement son personnage ou ne font pas avancer l'intrigue de manière significative.

De Shia LeBeouf canalisant Brando à une scène avec des personnages se balançant sur des cordes comme (et avec) des singes au look glacial de Kaminski remplaçant les tons chauds de la douce lueur de Douglas Slocombe des films précédents, rien de tout cela ne fonctionne et cela ne sert qu'à vous rappeler de meilleurs films antérieurs. Il est révélateur que Spielberg ne reviendra pas pour le cinquième et dernier film, même si Lucas n'a rien à voir avec la nouvelle entrée. Il en avait assez. À la fin de "Indiana Jones et le royaume du crâne de cristal", le sentiment était réciproque.

Bizarrement, "Hook" ressemble à l'un des films les plus importants de la carrière de Spielberg tout en étant l'un des plus moche. Depuis le début des années 1980, Spielberg tentait de faire une histoire en direct de "Peter Pan"; d'abord chez Disney puis avec Paramount (où Dustin Hoffman a d'abord été attaché en tant que capitaine Hook). Lorsque Spielberg a abandonné, un autre réalisateur est intervenu alors que le scénario passait d'un simple récit à quelque chose de plus conceptuel (Et si Peter Pan grandissait?) Mais lorsque le nouveau réalisateur s'est affronté avec Hoffman et Robin Williams, Spielberg est revenu. Peut-être aurait-il dû rester à l'écart. Gonflé et flou, c'est Spielberg qui tente d'embrasser l'esprit de sa jeunesse tout en étant un mari et un père au milieu de la quarantaine. Comme Robin Williams, il essaie désespérément de retourner à Neverland mais découvre qu'il ne l'a plus.

Un ensemble réputé controversé, le budget a gonflé et est resté, de manière créative, dans un état de flux jusqu'à ce qu'il s'ouvre dans les salles à une réponse critique et commerciale terne. (Gardez à l'esprit que c'était censé être une comédie musicale et que John Williams a écrit huit chansons originales avec le parolier Leslie Bricusse.) Il y a des apologistes de "Hook" parmi nous ces jours-ci; les noyer. Outre une bande-annonce absolument mortelle, c'est un raté.

Le premier long métrage théâtral de Spielberg est une histoire d'amoureux qui enfreint la loi et qui a eu le malheur de sortir l'année après le chef-d'œuvre de Terrence Malick "Badlands". Ce n'est pas que "The Sugarland Express" soit mauvais, nécessairement, il lui manque juste une partie de la magie qui était évidente dans le téléfilm "Duel" de Spielberg et qui deviendrait un incontournable de son travail ultérieur. Goldie Hawn joue un yokel amoureux dont l'enfant a été révoqué par l'État; William Atherton est son mari impitoyable qu'elle fait sortir de prison alors qu'il est sur le point d'être libéré. Ensemble, ils prennent en otage un jeune patrouilleur (Michael Sacks). Bien que l'histoire soit basée sur un vrai crime, il est facile de comprendre que le patrouilleur est le substitut de Spielberg, car il essaie constamment de modérer les querelles du jeune couple (clairement basées sur les parents de Spielberg) - comme Spielberg, Sacks n'avait que 26 ans.

Pourtant, le scénario (co-écrit par Hal Barwood et Matthew Robbins, qui resterait dans l'orbite de Spielberg) serpente un peu trop, ce qui donne à Spielberg et au directeur de la photographie Vilmos Zsigmond (sortant de "Deliverance" et "The Long Goodbye") beaucoup de temps pour planter des voitures au lieu de se concentrer sur les personnages. Ce film a suffi à convaincre les producteurs Richard D. Zanuck et David Brown que Spielberg pouvait gérer une adaptation de livre intitulée "Jaws".

"The Lost World: Jurassic Park", basé sur le deuxième best-seller rempli de dinosaures de Michael Crichton, est une ambiance totalement différente. Avec le parc réel disparu, l'action se déroule sur le site B, une deuxième île où (nous apprenons rapidement) ils ont fabriqué les dinosaures avant de les amener au parc (drôle, quelle était toute cette scène avec le Dr Wu dans le premier film ?). Ian Malcolm (Jeff Goldblum) revient pour s'assurer que sa petite amie (Julianne Moore) n'est pas mangée ; Vince Vaughn joue un éco-terroriste envoyé pour arrêter des crétins d'entreprise qui veulent les dinosaures restants à des fins lucratives. Spielberg sait toujours comment mettre en scène un décor formidable, comme l'attaque d'une petite fille dans le froid ouvert ou la grande finale qui voit un T. Rex piétiner dans les rues de San Diego. Mais il ne semble pas particulièrement engagé et pendant une grande partie du film, regarder des dinosaures courir à travers la forêt n'inspire pas le mélange de crainte et de terreur qui a rendu l'original si spécial.

"Lost World" est sans doute le film le plus laid et le plus méchant de Spielberg depuis "Indiana Jones et le Temple maudit", mais sans l'intelligence vive de ce film, avec la cinématographie trouble de Kaminski un contraste frappant avec la photographie plus luxuriante de Dean Cundey pour le film original. La bêtise intermittente (n'entrons pas dans le combat gymnaste contre rapace) ne fait qu'ajouter à la sensation de distance entre le public et l'auteur. Celui-ci a ses défenseurs mais il est difficile de rejoindre la cause.

Basé, en partie, sur l'histoire vraie d'un homme de Bruxelles qui vivait dans un aéroport parisien (il est malheureusement décédé récemment), "The Terminal" met en vedette Tom Hanks en tant que visiteur en Amérique d'un pays fictif qui, alors qu'il traverse l'immigration, cesse d'exister. Cela le laisse coincé à l'aéroport, mangeant des paquets de ketchup, se heurtant à une administration étroitement blessée (Stanley Tucci) et tombant amoureux de la charmante hôtesse de l'air de Catherine Zeta-Jones. Cela ne représente vraiment pas grand-chose, malgré un merveilleux casting de soutien qui comprend Diego Luna, Chi McBride et une Zoe Saldaña au visage de bébé. C'est en partie parce qu'à 118 minutes, il dépasse son accueil et en partie parce que ce qui aurait dû être une petite comédie intime a nécessité la construction d'un terminal d'aéroport entier. De plus, la résolution de la raison pour laquelle Hanks est en Amérique s'effondre totalement. Si vous n'avez jamais vu "The Terminal", cela en vaut la peine pour les finalistes de Spielberg, mais cela n'a rien de remarquable (même si c'était assez amusant de voir Hanks replonger dans le territoire idiot de "Money Pit" après des années d'être le leader sérieux d'Hollywood). Ce film a rapporté 220 millions de dollars dans le monde.

"War Horse", sur le papier, ressemble à un slam dunk. Une adaptation du roman de 1982 de l'auteur britannique Michael Morpurgo et une adaptation scénique de 2007 qui a joué à la fois dans le West End et à Broadway, il met en vedette Jeremy Irvine en tant qu'enfant britannique dont le cheval bien-aimé est enrôlé dans la Première Guerre mondiale et traverse une série d'aventures déchirantes avant que les deux ne soient réunis. Personne ne fait mieux que Spielberg des amitiés quasi-magiques entre des personnages humains et inhumains, mais une grande partie de "War Horse" est un travail pénible; le cadre de la guerre semble nécessiter une note plus sévère, mais le cinéaste continue de viser quelque chose de plus familial (ceci est illustré par un meurtre brutal masqué par un moulin à vent tournant). Il y a bien sûr des décors virtuoses et c'est un plaisir de voir tous les grands acteurs de personnages britanniques apparaître pour de brèves performances (Tom Hiddelston, Benedict Cumberbatch, David Thewlis et Emily Watson apparaissent tous), mais le scénario de Richard Curtis et Lee Hall rend difficile l'implication émotionnelle.

"West Side Story", sorti discrètement fin 2021, a accumulé sept nominations aux Oscars (dont celui du meilleur film) et obtenu une seule victoire (pour l'incroyable performance de soutien d'Ariana DeBose), et pourtant a été considéré comme une déception. Et à la fin de la journée, il est facile de se laisser emporter par cette nouvelle version de l'histoire, écrite par Tony Kushner mais en conservant la chanson et la partition originales du spectacle, en particulier avec les numéros musicaux élaborés. Les progrès réalisés par le nouveau scénario, en termes de représentation (Maria est en fait jouée par Rachel Zegler, une jeune femme de couleur, et il y a un personnage trans) et de broderie (le personnage de Rita Moreno est génial) sont admirables. Mais une partie du casting est malheureuse (Ansel Elgort était un mauvais choix avant même les allégations d'agression sexuelle) et le film, malgré tout son éblouissement, ne peut échapper à un sens damnable de Déjà vu. À tout le moins, Spielberg a pu mettre en scène une comédie musicale à pleine gorge, quelque chose que vous pouvez sentir qu'il voulait faire depuis très, très longtemps (ne cherchez pas plus loin que la séquence d'ouverture de "Indiana Jones et le Temple maudit"). Que son "West Side Story" mérite ou non une standing ovation dépend du spectateur.

Tout comme en 1993, lorsque Spielberg a sorti à la fois "Jurassic Park" et "La liste de Schindler", en 1997, Spielberg a associé "The Lost World" à un projet beaucoup plus sérieux - "Amistad", l'histoire d'un soulèvement d'esclaves et des retombées juridiques qui ont suivi. La séquence de soulèvement des esclaves est un tour de force typique de Spielberg - cela se passe sous la pluie, avec des crescendos d'éclairage coïncidant avec des éclats de violence spectaculaires. Malheureusement, la majeure partie du film concerne la bataille juridique qui a suivi le soulèvement, ce qui est à la fois difficile à suivre et place malheureusement le film dans la catégorie d'une histoire de "sauveur blanc", avec Matthew McConaughey devenant le héros de facto, un avocat courageux qui travaille pour les esclaves accusés. En tant que drame judiciaire, il manque de punch. Mais un casting solide (Anthony Hopkins a été nominé pour un Oscar pour son rôle de John Quincy Adams) et de beaux mérites techniques (les costumes de Ruth Carter sont tous KO, évidemment) valent la peine d'être regardés si vous n'avez jamais vu ou essayez de compléter votre puzzle Spielbergien.

"Ready Player One" a toujours été un choix bizarre pour Spielberg puisque le matériel source, une fanfiction borderline écrite par le nerd d'Austin Ernie Cline, était si manifestement redevable à la filmographie de Spielberg et, en tant qu'artiste, Spielberg n'est presque jamais autoréférentiel. (Il semble avoir appris de l'ouverture controversée de "1941".) Et, bien sûr, lorsqu'il a signé le projet – une affaire pluriannuelle qui verrait Industrial Light & Magic créer essentiellement un long métrage d'animation dans un live-action – il a juré de rester à l'écart de son propre catalogue. Bien sûr, les clins d'œil et les hochements de tête étaient toujours présents (la DeLorean du "Retour vers le futur" produit par Spielberg est un véhicule clé et les "Gremlins" peuvent être vus gambader sur le champ de bataille), mais Spielberg s'est largement poussé à ingérer d'autres éphémères de la culture pop. Lorsque cela fonctionne, comme lors d'une séquence de poursuite prolongée dans l'hôtel Overlook de Stanley Kubrick ou d'une poursuite en voiture qui aurait pu être la chose la plus bruyante que j'aie jamais entendue dans un théâtre, c'est absolument passionnant, transportant le public à un moment et à un endroit différents et prouvant que la bonne foi et l'instinct de narration de Spielberg sont toujours aussi vifs. Lorsque "Ready Player One" trébuche, comme il le fait parfois pendant les segments du "monde réel", c'est un rappel déprimant que Spielberg pourrait vouloir s'en tenir aux images de prestige de ces derniers temps.

Vous serez surpris de constater que, même petit, Christian Bale était un très bon acteur. Dans "Empire of the Sun", Bale joue un jeune garçon qui est séparé de ses parents à Shanghai occupée par les Britanniques pendant la Seconde Guerre mondiale et contraint de survivre dans un camp d'internement japonais. La séquence la plus célèbre est peut-être celle ci-dessus, lorsque le jeune Jamie et ses parents sont en fait séparés par les forces d'invasion japonaises. C'est une séquence que seul Spielberg aurait pu filmer, avec des centaines de figurants et une clarté visuelle et émotionnelle absolue - vous savez exactement ce qui se passe, comment il se disloque et la quantité écrasante d'énergie qu'il faudra pour les réunir. Et c'est une scène. Tranquillement puissant (même lors de la dramatisation de la bombe atomique qui explose à Nagasaki) et facilement l'un des efforts les plus sous-estimés de Spielberg, on a parfois l'impression que le réalisateur essaie de se séparer de ses œuvres les plus joyeuses de la même période (Allen Daviau a tourné le film dans un rapport d'aspect plus grand, rejetant les lentilles anamorphiques plus romantiques et légèrement déformées qu'il préfère souvent). Mais le scénario est si fort (Tom Stoppard a adapté le roman autobiographique de JG Ballard) et les émotions si étonnamment réelles qu'il est difficile d'être autre chose qu'absorbé.

Spielberg entre dans la guerre froide avec « Bridge of Spies », l'histoire vraie d'un échange de prisonniers entre la Russie et les États-Unis qui s'est produit à la fin des années 1950, lorsque la tension entre les deux pays était à son comble. Tom Hanks, un adorable favori de Spielberg (comme toujours), joue l'avocat qui représentait Rudolf Abel (Mark Rylance), un espion russe condamné qui est maintenant contraint d'aider à organiser l'échange. La virtuosité de Spielberg est pleinement exposée (l'ouverture du film est une longue séquence de poursuite sans paroles à travers une ville de New York parfaitement recréée) et il est amusant de le voir s'engager dans certains des mêmes théâtres d'espionnage du monde réel qui ont rendu "Munich" si puissant.

Le scénario, initialement écrit par Matt Chapman et mis en scène par les frères Coen, donne aux personnages une profondeur louable tout en conservant la nature thriller sous-jacente de l'histoire, et "Bridge of Spies" est peut-être le plus remarquable pour être la première équipe entre Rylance et Spielberg (ils feraient équipe pour "The BFG" et "Ready Player One") et pour être le premier film depuis 1985 "The Color Purple" à être marqué par quelqu'un d'autre que John Williams (Thomas Newman fait un excellent travail, généralement discret). Pas le joint Spielberg le plus flashy, bien qu'il ait toujours été nominé pour le meilleur film (et Rylance a gagné) et est une œuvre d'une puissance indéniable.

Ce qui est si drôle à propos de "Indiana Jones et la dernière croisade", c'est que le chemin vers le film a emprunté un chemin typiquement détourné – des brouillons totalement indépendants ont été complétés par Chris Columbus et Menno Meyjes, mais l'histoire avec laquelle ils se sont retrouvés (crédité à Jeffrey Boam mais doit une énorme dette à une réécriture non créditée par Tom Stoppard) équivaut à un peu plus que "Tais-toi et joue les tubes". Et tu sais quoi? C'est bon. C'était l'idée de Spielberg de concentrer l'histoire sur un conte père / fils avec Indiana Jones (un Harrison Ford de retour) traitant de la disparition de son père (Sean Connery, dans un coup de génie) tout en recherchant le même artefact mystérieux.

La plupart des éléments de l'intrigue sont accessoires et repris de "Raiders of the Lost Ark" (nazis intrigants, doubles croix, poursuites à travers le désert) avec le centre émotionnel d'une relation tendue entre père et fils au centre de la scène, en particulier dans le troisième acte du film, qui comporte des éléments spectaculaires mais présente un point culminant beaucoup plus calme et plus contenu que le public ne s'y attendait probablement. (De plus, la séquence de prologue avec River Phoenix en tant que jeune Indy est un incontournable.) Même une rediffusion est capable d'être divertissante et "Indiana Jones et la dernière croisade" est certainement cela, avec le scénario intelligent, la cinématographie crackerjack de Douglas Slocombe (c'était son dernier film) et des performances engagées masquant toutes les irrégularités de l'intrigue ou les sentiments d'être là / fait.

"Toujours" est un film intéressant et certainement l'un des moins annoncés de la carrière de Spielberg. Apparemment un remake de "A Guy Named Joe" de 1943, Spielberg a éloigné l'action de la Seconde Guerre mondiale et a plutôt choisi de se concentrer sur les pompiers du Colorado. Richard Dreyfuss joue un pilote vedette qui meurt en service et est obligé à la fois de former un pilote plus jeune et de regarder ce pilote tomber amoureux de sa femme (joué par Holly Hunter). Les séquences aériennes sont passionnantes (elles ont été travaillées par Industrial Light and Magic) mais les séquences les plus captivantes sont celles dans lesquelles le personnage de Dreyfuss est visité par un être d'un autre monde appelé "Hap" (joué par Audrey Hepburn). Doucement surréalistes et profondément touchants, ce sont ces intermèdes qui donnent à "Always" sa puissance.

Sorti à la toute fin des années 1980, la décennie qui a vu Spielberg passer d'un cinéaste à un magnat, il y a quelque chose de transitoire dans le film – il a beaucoup de choses en tête mais il est toujours plein de l'émerveillement qui a fait de lui un nom familier. (À bien des égards, "Always" ressemble à un épisode trop long de sa série télévisée "Amazing Stories".) Après avoir tourné les troisièmes "Indiana Jones" et "Always" consécutivement, il prenait un congé et revenait avec "Hook", un film sur lui aux prises avec sa place dans le monde. "Toujours" est un film bien meilleur et plus agressivement négligé. Et un de plus mûr pour la redécouverte et la réévaluation.

Basé sur le roman d'Alice Walker en 1982, lauréat du prix Pulitzer et annoncé comme "une histoire américaine pour le monde entier", "The Color Purple" était la première tentative de Spielberg pour un film "sérieux". Et alors qu'il s'efforçait d'obtenir l'authenticité, en choisissant plusieurs acteurs inconnus (dont Whoopi Goldberg) et en employant Walker pour superviser le scénario (finalement écrit par Menno Meyjes) et donner des notes sur les accents des acteurs, certains ont accusé le réalisateur d'adoucir le matériau et de mettre l'accent sur la sentimentalité plutôt que sur le réalisme. (Spielberg a admis plus tard qu'il regrettait d'avoir minimisé la relation lesbienne entre deux personnages.)

L'histoire d'une jeune femme nommée Celie (Goldberg) au début du XXe siècle en Amérique, c'était clairement plus mature que les films plus commerciaux qu'il avait faits jusque-là, avec "The Color Purple" traitant de problèmes lourds comme l'inceste, le viol et la pauvreté. Et il a surtout réussi; bien qu'il y ait eu quelques protestations contre le film, il a été nominé pour 11 Oscars et Spielberg a remporté un prix de la Directors Guild of America pour ses efforts. Bien qu'ils ne soient pas aussi appréciés que quelque chose comme "La liste de Schindler", sans "La couleur pourpre", ces fonctionnalités ultérieures plus sérieuses n'auraient pas été possibles. Un film de tremplin, certes, mais qui reste incroyablement émouvant.

Règles "La Poste". Rapidement produit et sorti pendant que Spielberg travaillait sur la post-production ardue de "Ready Player One" et juste après l'effondrement de "L'enlèvement d'Edgardo Mortara", vous pouvez sentir cette immédiateté désordonnée dans chaque image. Peu de films récents de Spielberg se sont sentis aussi merveilleusement vivants. Apparemment l'histoire des efforts du Washington Post pour publier The Pentagon Paper, il s'agit aussi (très clairement) de l'Amérique en 2017, une époque où le journalisme était attaqué et où le gouvernement était heureux d'opprimer ceux qui cherchaient la vérité. Tom Hanks et Meryl Streep dirigent un casting de stars qui comprend également Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts et David Cross, remplissant le monde animé des journaux. À bien des égards, "The Post" ressemble à un complément à cet autre drame journalistique paranoïaque du Washington Post "Tous les hommes du président". Celui-ci est moins suspensif mais profondément attaché aux mêmes idéaux. Bien que nominé à juste titre pour l'Oscar du meilleur film, il devrait vraiment y avoir plus de discussions autour de "The Post".

Le premier (et jusqu'à présent le seul) long métrage d'animation de Spielberg est une adaptation ambitieuse des "Aventures de Tintin" du dessinateur belge Hergé. Mais au lieu d'un long métrage d'animation plus traditionnel, Spielberg a opté pour la capture de mouvement, "filmant" le film avec des acteurs et des décors avant de faire actualiser l'animation par les génies de Wētā FX de Peter Jackson. Et c'est vraiment un film époustouflant, beaucoup plus expressif et amusant que tout ce que l'ancien copain de Spielberg, Robert Zemeckis, a fait pendant son temps dans les tranchées de capture de mouvement.

"Les Aventures de Tintin" a un look merveilleux, juste timide du photo-réel et suffisamment exagéré pour évoquer l'œuvre originale emblématique d'Hergé. Toutes les oeuvres de "Tintin" n'existent pas; le scénario de découverte de l'ancien trésor de Steven Moffat, Edgar Wright et Joe Cornish est parfois trop calamiteux (et intelligent) pour son propre bien et le combat contre la grue du troisième acte est exagéré. Mais quand "Les Aventures de Tintin" mijote vraiment, cela suffit à vous rappeler (chaleureusement) l'âge d'or du blockbuster de Spielberg. En particulier, il y a une séquence au Maroc qui se termine par une séquence de poursuite qui se déroule sur une seule prise ininterrompue - c'est le classique "Spielberg oner" non amarré aux limites de la physique ou de la réalité. C'est absolument exaltant. Lors de sa conception initiale, Jackson était censé réaliser un film de suite avec Spielberg revenant pour le troisième. Bien que les cinéastes mentionnent parfois des films ultérieurs, cela semble peu probable à ce stade. Bien que, à tout le moins, la magie de l'animation signifie que vous n'avez pas à vous soucier du vieillissement de l'un des acteurs (parmi eux : Jamie Bell, Daniel Craig et Andy Serkis).

L'un de ses projets de passion personnels, Spielberg détenait les droits sur le livre de Doris Kearns Goodwin depuis 2001 et plusieurs tentatives antérieures avaient été faites pour adapter le matériel par les dramaturges John Logan et, plus tard, Paul Webb. Spielberg a vaguement placé Liam Neeson dans le rôle-titre. Finalement, Tony Kushner a pris en charge la mission, produisant d'abord un script de 500 pages qui se concentrait sur quatre mois de la vie du président, le réduisant finalement pour se concentrer sur les efforts de Lincoln pour adopter le treizième amendement. Le script de Kushner est décousu, donnant vie à l'histoire à un niveau presque moléculaire. Mais la conception du film est étrange et bien qu'elle soit destinée à montrer à quel point Lincoln était profondément humain, avec ses relations en coulisses et ses manœuvres habiles, la structure laisse souvent une distance émotionnelle entre le public et le sujet. (La cinématographie vraiment désordonnée de Kaminski est un cauchemar vaporeux, avec des champs de bataille mouillés de pluie scintillant la nuit et chaque fenêtre soufflée comme un vaisseau spatial en visite est juste à l'extérieur.)

Daniel-Day Lewis est évidemment incroyable dans le rôle oscarisé de Lincoln, même si son processus d'habiter le rôle était profondément bizarre (il enverrait des SMS à Sally Field en tant que Lincoln). Pourtant, même si vous n'êtes pas complètement absorbé, c'est amusant de voir les acteurs de personnages qui apparaissent dans des rôles minuscules portant des moustaches et des chapeaux étranges adaptés à la période (Tommy Lee Jones ! James Spader ! Adam Driver !) "Lincoln" a été nominé pour 12 Oscars et a été examiné avec enthousiasme par les critiques. Dommage qu'il s'agisse de la seule collaboration Day-Lewis/Spielberg. Pouvez-vous imaginer ce qu'ils auraient pu accomplir d'autre ensemble ?

Éliminons d'abord cela : "Indiana Jones et le temple maudit" ne contient pas les représentations les plus sensibles sur le plan culturel des cultures autochtones. En fait, il est souvent ouvertement offensant, courtisant le genre de tropes fatigués qui étaient, étonnamment, encore persistants dans les années 1980. Cela dit, le premier suivi de "Raiders of the Lost Ark" (et le premier à avoir le nom du personnage dans le titre) est un triomphe absolu, un joyau aux teintes sombres qui serait probablement plus ouvertement célébré s'il n'y avait pas toutes ces autres choses grossières. Cette entrée voit l'aventurier archéologue (joué, avec plus de menace extérieure, par Harrison Ford) affronter un gang de cultistes qui kidnappent des enfants et déchirant le cœur dans l'Inde rurale. Commençant par un numéro musical qui rivalise avec tout dans "West Side Story", le film regorge de décors inventifs (dont beaucoup ont été empruntés à des versions antérieures de "Raiders of the Lost Ark") et d'une sensibilité macabre éclairée par le fait que Spielberg et George Lucas traversaient des divorces controversés à l'époque (Spielberg allait épouser la star du film, Kate Capshaw).

En fait, le mesquin "Temple of Doom" (en fait une préquelle !) était si violent et bouleversant qu'il a conduit la MPAA à créer une nouvelle note (PG-13) quelques mois après sa sortie. Si vous êtes sur sa longueur d'onde particulière, striée de sang, le film est un délice (Roger Ebert l'a qualifié de "film d'aventure joyeusement excitant, bizarre, loufoque et romantique").

Quel film. "1941" est la chose la plus proche que Spielberg a faite d'un favori culte – une comédie bruyante et bruyante que seul Spielberg aurait pu monter et qui, bien que financièrement réussie, a été réévaluée grâce, entre autres, à une coupe plus longue du film diffusé sur une chaîne Disney naissante. (Oui, sérieusement.) Centré sur le très réel Great Los Angeles Air Raid de 1942 (un événement que beaucoup à l'époque croyaient être en fait une invasion d'OVNIS), qui s'est produit six jours seulement après Pearl Harbor, "1942" adopte une approche vraiment singulière. Le casting est plein d'acteurs de classe mondiale, à la fois comiques et autres (quel autre film présente Dan Aykroyd, un habitué de Kurosawa Toshiro Mifune, Christopher Lee, Warren Oates et John Belushi ?), faisant le plus d'acteurs qu'ils aient jamais fait, avec une approche étourdie de l'humour de Mad Magazine (il s'ouvre sur une recréation de l'ouverture de "Jaws", mais cette fois avec un sous-marin allemand au lieu d'un requin) qui frôle les séquences d'action aériennes géantes et lyriques supervisées, comme toujours , par Industrial Light and Magic. C'est beaucoup de film.

Le regarder à nouveau aujourd'hui vous fait apprécier (ou non) à quel point il n'était pas synchronisé avec les films d'aujourd'hui, mais avec la période des films. Le scénario, écrit par les cerveaux de "Retour vers le futur" Bob Gale et Robert Zemeckis (avec l'aide de, de tous, John Milius), est vif et amusant. Mais ce n'est pas du goût de tout le monde. La coupe du réalisateur est la version préférée, mais ajoute encore 30 minutes de folie non-stop. C'est pour les vraies têtes seulement.

Le dernier film de Spielberg est le film qu'il attendait depuis 40 ans, un voyage profondément personnel et autobiographique qui raconte, extérieurement, comment son amour du cinéma a été cultivé et raffiné, mais qui concerne en réalité une quête encore plus périlleuse pour comprendre qui il est (en tant qu'artiste, en tant que personne) et d'où il vient. "The Fabelmans" regorge de films de classe mondiale, évidemment, et Spielberg a eu raison de faire appel à Tony Kushner comme co-scénariste pour donner à l'histoire une forme dramatique et façonner ses contours. La première demi-heure environ est un peu bancale, mais le film prend vraiment son envol lorsque la version adolescente de Spielberg (interprétée par l'incroyable Gabriel LaBelle) occupe le devant de la scène. Avec cette version du personnage, le film trouve son centre - regardez comment il découvre l'infidélité de sa mère, tombe amoureux au lycée et devient le "film kid" de sa classe et a finalement une interaction fatidique avec John Ford (joué par David Lynch).

Ce qui est amusant aussi, c'est que Spielberg raconte sa propre histoire, il l'a jonchée de références et de pierres de touche à son autre travail (non pas que cela ne réussisse que si vous avez une connaissance encyclopédique de sa filmographie, mais cela aide). Considérant que Spielberg s'est déjà tourné vers un projet beaucoup plus ouvertement commercial (une sorte de remake du thriller de Steve McQueen "Bullitt"), il aurait pu être blessé par l'indifférence commerciale qui a rencontré "The Fabelmans". Ou peut-être qu'après avoir exorcisé ces démons, il veut juste s'amuser un peu.

La deuxième des deux équipes de Spielberg avec la plus grande star de cinéma du monde, Tom Cruise, est le moindre film, mais seulement légèrement. "War of the Worlds" reprend l'histoire originale de HG Wells et la recontextualise pour un public post-11 septembre (quelque chose sur lequel il travaillerait dans son autre classique de 2005 "Munich"); au lieu de venir de l'espace, les martiens émergent du sol, vaporisant les civils dans la même boue grisâtre que nous avons vue partout après la chute des tours. Cruise, dans une performance finement calibrée et étrangement sous-estimée, joue un mauvais père dans la banlieue de la Nouvelle-Angleterre qui doit faire face à la fin du monde en plus du stress d'avoir la garde de ses enfants (est-ce que ça se termine jamais ?) il était prêt à faire une histoire extraterrestre effrayante. Et qu'il a fait.

Ce film est absolument terrifiant, Spielberg trouvant l'horreur autant dans les visiteurs extraterrestres (en particulier dans une scène effrayante où nous les voyons sortir de leurs trépieds et traquer autour d'une maison détruite) que dans la façon dont l'humanité s'effondre après leur arrivée. (Bien que celui-ci aurait pu bénéficier d'une cote R.) Plein de décors inoubliables (l'attaque des trépieds sur un ferry étant l'un des meilleurs), des retours occasionnels au film de Paramount de 1953 par George Pal (il ne pouvait tout simplement pas s'en empêcher !) et certains des effets visuels les plus effrayants d'ILM, "La guerre des mondes" est un autre blockbuster miraculeux de Spielberg et la preuve que, comme Carly Simon l'a chanté une fois, personne ne le fait mieux.

À certains égards, "Minority Report" donnait l'impression que Spielberg acceptait un appel aux armes. Pourrait-il encore faire le genre de grandes extravagances intelligentes qu'il avait l'habitude de faire dans sa jeunesse ? Et pourrait-il le faire tout en servant l'une des plus grandes stars de cinéma de la planète ? La réponse à toutes les questions, avec "Rapport minoritaire", était un oui sans équivoque. La séquence d'ouverture, où le personnage de flic de Cruise tente de reconstituer les événements d'un meurtre qui ne s'est pas encore produit dans le but d'arrêter le crime avant qu'il ne commence, est visuellement sophistiquée et technologiquement avisée. Cela semble aussi impétueux et nouveau, comme quelque chose que vous verriez dans un film de David Fincher. L'intrigue du film, basée sur une histoire de Phillip K. Dick et avec un scénario crédité à Jon Cohen et Scott Frank, est assez compliquée, concernant un avenir où le meurtre est interdit parce que certains mutants bizarres peuvent le voir se produire en premier. Cruise doit kidnapper l'un des mutants pour effacer son nom et découvrir qui l'encadre, alors il se lance dans une odyssée hitchcockienne du mauvais homme à travers un paysage urbain futuriste et étincelant. (Colin Farrell est le crétin du ministère de la Justice qui est sceptique quant au programme et qui a ensuite été chargé de faire venir Cruise.)

Plus sombrement comique et carrément horrible que certains des autres plats plus traditionnels de Spielberg (voir: toute cette section avec Peter Stormare), "Minority Report" est un thriller exubérant et stimulant qui aurait été encore plus épineux si Spielberg était resté fidèle à la fin originale: une carte de texte qui disait que l'année suivante, il y avait eu un grand nombre de meurtres à Washington DC La quête de Cruise en valait-elle la peine? Une lecture encore plus provocante est apparue ces dernières années selon laquelle la majeure partie du troisième acte (après que Cruise ait été capturé et placé dans la catacombe techno effrayante de Tim Blake Nelson) n'est en fait que Cruise en train de rêver après avoir été emprisonné pour le reste de sa vie. D'une certaine manière, ce genre de cinéma de science-fiction à grande idée ouvrirait la voie à l'émergence de quelqu'un comme Christopher Nolan.

"Duel" a commencé sa vie en tant que "film ABC de la semaine", s'appuyant sur le succès que Spielberg a eu en réalisant des épisodes de "Columbo" et "Night Gallery". Mais le film était si bon qu'une version étendue, d'une durée de 16 minutes de plus que la version télévisée, est sortie en salles sur les marchés internationaux. C'est pourquoi il est sur cette liste ! (De plus, la coupe théâtrale est fondamentalement la seule que vous puissiez voir.) La prémisse de "Duel" est simple et d'une efficacité impitoyable, basée sur une nouvelle et un scénario ultérieur du légendaire Richard Matheson. Fondamentalement, Dennis Weaver est un vendeur conduisant en voyage d'affaires lorsqu'il est traqué par un gros camion menaçant et crachant de la fumée. Le conducteur du dix-huit roues n'est jamais vu, ce qui provoque des tensions à l'intérieur et à l'extérieur de la voiture (il y a un grand moment où Weaver est arrêté pour un repas et essaie de déterminer lequel des hommes à l'intérieur du restaurant est le conducteur du camion). Implacable et terrifiant, le talent de Spielberg est apparent dès le début, avec une séquence POV élaborée qui montre son itinéraire de l'allée à l'autoroute. Et ça s'améliore à partir de là. C'est le travail de Spielberg sur "Duel" qui lui a valu le concert pour faire "Jaws" - il a estimé que le camion et le requin étaient tous deux des moteurs de malveillance invisible. Et il avait raison.

Sans doute le film le plus important des 20 dernières années de la carrière de Spielberg, principalement parce qu'il a établi la relation fructueuse du réalisateur avec l'écrivain lauréat du prix Pulitzer, Tony Kushner. Mais "Munich" est aussi incroyablement important car il a montré que Spielberg était capable de réaliser des films vraiment pour adultes - il est inondé de violence sanglante, de nudité explicite et de sujets thématiques épineux (qui se poursuivent jusqu'à son tout dernier plan, qui s'attarde sur les tours jumelles du World Trade Center). C'est l'un de ses films les plus bruts et les plus intransigeants. Ce qui rend "Munich" encore plus impressionnant, c'est qu'il aurait pu être beaucoup plus simple, mais Spielberg a choisi d'en faire un film tout à fait plus désordonné et plus provocateur.

Basé sur le livre "Vengeance" de George Jonas de 1984 sur l'opération Wrath of God, une opération secrète israélienne destinée à riposter aux terroristes responsables du massacre des Jeux olympiques de Munich en 1974 par l'organisation palestinienne Black September. (Certaines des séquences les plus incroyablement mises en scène du film sont celles où Spielberg recrée la prise d'otages, entrecoupant parfois l'action avec des images d'actualité réelles de l'événement.) Un film plus simple aurait pu être réalisé à partir de l'opération réelle et Spielberg s'amuse avec la mécanique des hommes en mission du récit (parmi lesquels des hommes : Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds et Mathieu Kassovitz), mais Spielberg et Kushner ajoutent constamment des complications - pratiques (comme lorsqu'un la bombe n'explose pas correctement), spirituel et philosophique - au point que ce qui a commencé comme une juste mission devient de plus en plus confus. Ceci est illustré par une scène de sexe qui divise lorsque Bana fait l'amour avec sa femme mais toujours hanté par la tragédie du massacre des Jeux olympiques et tout le mal qui a suivi. Pour l'une des rares fois de sa carrière, Spielberg n'essayait pas de séduire le public avec émerveillement et spectacle ; cette fois, il essayait de secouer ce public.

"Saving Private Ryan" a été salué par certains comme la plus grande guerre mondiale jamais faite, une affirmation qui étend la crédibilité même par rapport à cet autre film de la Seconde Guerre mondiale de 1998, le lyrique et obsédant "The Thin Red Line" de Terrence Malick. Et, sous un examen minutieux, le drame primé aux Oscars de Spielberg ne tient pas totalement le coup – les serre-livres modernes sont empruntés à "La liste de Schindler" et, honnêtement, ne sont pas aussi efficaces ; le film est bourré de clichés de films de guerre ; et la durée de 169 minutes semble inutilement longue et souvent carrément baggy, en particulier dans son deuxième acte. Mais la puissance brute de la séquence d'ouverture, qui se déroule sur Omaha Beach lors de l'invasion de la Normandie, est si stupéfiante que le reste du film aurait pu être Tom Hanks jouant aux cartes et qu'il aurait probablement percé le top 10 de Spielberg. Cette séquence est l'une des plus viscérales jamais engagées dans le cinéma et le fait que le film, même avec cette scène, n'ait réussi qu'à être classé-R témoigne de la position de Spielberg dans l'entreprise et du sérieux avec lequel il a abordé le sujet.

Il y a des moments qui atteignent presque les sommets de cette séquence, en particulier le point culminant (qui semble sous-estimé mais qui est naturellement dans l'ombre de l'ouverture) et il y a des performances finement calibrées (en particulier Hanks) qui donnent forme à certaines des tendances les plus ouvertement sucrées du film. C'est le genre de grande épopée à l'ancienne et à cœur ouvert que seul Steven Spielberg pouvait réaliser. Son sérieux est une caractéristique, pas un bug.

Conçu à l'origine par Stanley Kubrick, qui a commencé à travailler sur une adaptation de l'histoire de Brian Aldiss "Supertoys Last All Summer Long" au début des années 1970, Spielberg a repris le projet après la mort tragique de Kubrick en 1999. Le film qui en résulte est un étrange mélange des sensibilités des deux cinéastes et un exercice insensé de traitement des traumatismes et du chagrin (celui de Spielberg), sous la forme d'un spectacle de science-fiction de 100 millions de dollars. Parfois, les deux visions du monde, Spielberg le sentimental et Kubrick le cynique, s'affrontent bruyamment, mais pour la plupart, elles s'entremêlent et se détachent, créant un film qui est probablement plus intéressant si un seul d'entre eux avait travaillé dessus. Haley Joel Osment joue un garçon androïde à la recherche de sa place dans le monde après que sa famille humaine l'ait abandonné ; il rencontre Gigolo Joe (Jude Law), un sex-bot accusé de meurtre et, avec son ours en peluche bourru, part pour une incroyable odyssée jusqu'au bout du monde.

Mélancolique et lugubre, c'était différent de ce à quoi tout le monde s'attendait - ce n'est pas l'histoire câline d'une amitié interspécifique comme "ET" ni aussi dure et impitoyable que quelque chose comme "A Clockwork Orange". "AI" est tout à fait sa propre chose - étrange, magnifiquement rendu (grâce à une collaboration meurtrière, une fois de plus, par Stan Winston et Industrial Light & Magic) et en avance sur son temps. La fin du film, où des androïdes sensibles du futur lointain visitent le personnage d'Osment, a d'abord été considérée comme trop joyeuse et optimiste. Spielberg a affirmé que cela faisait toujours partie de la vision de Kubrick. La vérité, comme le reste de "AI", se situe probablement quelque part au milieu.

"Attrape-moi si tu peux" était un projet de grande envergure en développement chez Spielberg's DreamWorks. Quand un certain nombre de cinéastes triple A sont venus et sont partis (dont Cameron Crowe, Gore Verbinski et David Fincher), Spielberg a adopté l'approche "eh bien, je le ferai moi-même" et a signé pour réaliser. Et il est difficile de penser que quelqu'un donne au film le même mélange de câpres éblouissantes et d'émotion profonde, prouvant qu'il pouvait encore puiser dans ces émotions nerveuses brutes d'être un enfant de divorce toutes ces années plus tard. Leonard DiCaprio joue un vrai coquin qui s'est frayé un chemin à travers une grande partie de sa vie d'adulte, se faisant passer pour des pilotes d'avion et des médecins, dont le chemin de destruction était probablement beaucoup moins charmant que celui décrit par DiCaprio et Spielberg.

Tom Hanks est l'homme de loi obstiné sur sa piste, et tandis que toutes les différentes arnaques de DiCaprio sont dramatisées de manière vibrante, avec la caméra tourbillonnante de Spielberg et la partition jazzy de John Williams, le vrai film réside dans le lien entre DiCaprio et Hanks, deux personnages brisés qui trouvent en quelque sorte la plénitude l'un dans l'autre. Il y a une profonde tristesse au cœur de « Attrape-moi si tu peux », autrement animé et amusant, ce qui le rend infiniment plus profond qu'il ne l'aurait été. Bien que le film ait été un succès au box-office, il n'a obtenu que deux nominations aux Oscars – pour Williams et Christopher Walken pour le meilleur acteur dans un second rôle. Il aurait dû être nominé pour beaucoup plus (y compris le meilleur film) et continue de résonner aujourd'hui. Un délice.

L'un des films les plus populaires de tous les temps, c'est aussi l'un des plus aboutis artistiquement. "ET" est une tendre histoire de passage à l'âge adulte sur un jeune garçon (Henry Thomas) qui se lie d'amitié avec un petit extraterrestre qui a été abandonné près de sa maison de banlieue pittoresque. Le jeune garçon, comme Spielberg, est un enfant divorcé et vous pouvez sentir l'authenticité de l'histoire du garçon, même si les manigances plus ouvertement de science-fiction (vélos volants, autorités gouvernementales autoritaires, etc.) commencent à prendre le relais. C'est ce niveau de réalisme émotionnel et la connexion entre le garçon et l'extraterrestre (conçu par Carlo Rambaldi, re-faisant équipe avec Spielberg après "Rencontres du troisième type"), plus que tout effet visuel, qui a fait "ET" monter en flèche. (Bien que, c'est vrai, la partition sans pareille de John Williams embellit et amplifie ce qui est déjà là.) Il est révélateur que le film soit si parfait, en fait, qu'après que Spielberg ait sorti une édition anniversaire avec de nouvelles scènes et des effets visuels améliorés (y compris un ET animé par ordinateur sautant à travers la forêt, fourni par la société d'effets originaux Industrial Light & Magic) que Spielberg a ouvertement dénoncé la nouvelle version et rétabli le classique "ET" Vous ne pouvez pas jouer avec un classique.

Qui savait que Spielberg l'avait en lui ? La même année qu'il a lancé le mastodonte du pop-corn "Jurassic Park", il a également ouvert "La Liste de Schindler", un conte obsédant sur l'Holocauste basé sur le roman historique de Thomas Keneally "L'Arche de Schindler". Capturé en noir et blanc par Janusz Kaminski (c'est leur première - et jusqu'à présent la meilleure - collaboration), le film ressemble presque à un documentaire. Et c'est comme ça aussi. Liam Neeson joue Oskar Schindler, un industriel allemand et membre du parti nazi qui a trouvé un moyen de sauver 1 200 Juifs de l'extermination pendant la Seconde Guerre mondiale. Les images du film sont obsédantes, mais le sentiment l'est aussi – à la fois de chagrin et de tristesse extrêmes, mais aussi de désespoir. N'aurait-il pas pu faire plus ?

Le récit que fait Spielberg de l'époque est sans broncher et déchirant mais il parvient tout de même à déployer des fioritures que lui seul aurait pu réaliser – le manteau rouge de la petite fille qui permet de l'identifier plus tard dans l'amoncellement des cadavres ; le scintillement des bougies comme métaphore de l'espoir (tous deux réalisés par Industrial Light & Magic, la même entreprise qui a donné vie aux dinosaures de "Jurassic Park"). "La liste de Schindler" est le film qui a finalement valu à Spielberg son Oscar du meilleur réalisateur, ainsi qu'une autre statue du meilleur film et plusieurs autres (dont une pour le scénario parfait de Steve Zaillian). C'est un film difficile à revoir fréquemment, mais quand vous le faites, il est difficile de ne pas se laisser emporter à nouveau.

Bien sûr, c'était une percée technologique et la preuve que l'imagerie générée par ordinateur révolutionnerait notre façon de regarder et de faire des films, mais en son cœur "Jurassic Park" est avant tout un triomphe de divertissement imaginatif. Basé sur le roman à succès de Michael Crichton (qui a écrit une première ébauche du scénario), "Jurassic Park" concerne un groupe de scientifiques et d'ingénieurs (et deux petits enfants) qui sont chargés de tester en bêta un parc à thème rempli de dinosaures génétiquement modifiés. Bien sûr, les dinosaures se déchaînent et tout l'enfer se déchaîne. Lorsque le film était en option, chaque studio avait son propre réalisateur prêt à partir (Tim Burton et James Cameron étaient parmi ceux qui se disputaient), mais il est difficile d'imaginer que quelqu'un d'autre que Spielberg s'attaque au matériel. Non seulement le film présente le mélange breveté de terreur et de crainte de Spielberg, parfois dans la même séquence (comme l'attaque de T. rex à bout de souffle), mais en son cœur se trouvent deux enfants dont le divorce imminent des parents leur laisse quelque chose de plus à prouver.

Alors que les suites et les retombées sans fin ont édulcoré la franchise, le pouvoir primordial du "Jurassic Park" original demeure. Regarder ce film au cinéma était une expérience exaltante et vous pouviez sentir la terre bouger pendant que vous le regardiez; il n'y avait jamais rien eu de tel auparavant et les progrès réalisés à l'intérieur allaient tout bouleverser. Même maintenant, les gens essaient toujours de répéter le frisson de "Jurassic Park". Et ils ne s'en sont toujours pas approchés.

L'histoire raconte que George Lucas et Steven Spielberg étaient assis sur une plage juste après l'ouverture de "Star Wars". Lucas ne voulait rien savoir pour le box-office. Il voulait juste s'enfuir avec son ami. Alors qu'il était sur le sable, Spielberg a exprimé sa tristesse de ne pas pouvoir faire un film de James Bond. Lucas lui a dit qu'il avait une idée qui était encore meilleure que 007. Le résultat était "Raiders of the Lost Ark". Inspiré des feuilletons à l'ancienne de la fin des années 1930 et du début des années 1940 dans lesquels le héros se lançait dans une série de cliffhangers époustouflants, "Raiders" trouve le vieil ami de Lucas Harrison Ford dans le rôle d'Indiana Jones, professeur le jour et chasseur de trésors la nuit, qui est chargé par le gouvernement américain de récupérer un artefact avant qu'il ne tombe entre les mains des nazis. C'est une prémisse si ingénieuse qu'il est difficile de croire que personne n'y ait pensé auparavant, et elle a été magnifiquement concrétisée par le scénario de Lawrence Kasdan (basé sur une proposition originale de Phillip Kaufman), qui a vu Jones voyager du cœur de la jungle au désert aride du Moyen-Orient à la recherche de l'Arche d'Alliance.

Peut-être le plus grand film d'action-aventure de tous les temps, plein de décors et de séquences qui vous éblouissent et vous laissent la mâchoire sur le sol, c'est Spielberg qui a compris que Jones ne pouvait pas simplement être un super-héros à la mâchoire de lanterne. Son Indiana Jones a une relation désordonnée – d'une manière qui ne volerait jamais aujourd'hui – avec sa fille Marion (une adorable Karen Allen) et il bousille autant qu'il réussit. C'est cette faillibilité qui lui permet de s'enraciner encore plus facilement alors qu'il tombe, bourdonne et fouette son chemin pour sauver le monde d'un mal occulte. Quel trajet.

Pouvez-vous croire que "Jaws" n'était que le deuxième long métrage de Spielberg en tant que réalisateur ? Cela aurait pu être imprudent, du moins d'un point de vue pratique, car la production de "Jaws" était notoirement en retard et s'est heurtée à des dépassements coûteux en raison (en grande partie de la décision de tourner en pleine mer) et à des revers technologiques (obscurcir le requin pendant la majeure partie du film était par nécessité autant que pour l'art). Le tournage était censé prendre 55 jours et a fini par en prendre 159 avec un scénario jamais terminé et toujours en mouvement (Carl Gottlieb, qui a écrit la chronique essentielle de la réalisation du film "The Jaws Log", était responsable de la majeure partie du brouillon final). Et toutes ces difficultés et cette adversité ont abouti à l'un des films les meilleurs et les plus divertissants de tous les temps. Établissant utilement l'idée d'un "film d'été", le long métrage de créature de Spielberg est intelligent, effrayant et plein de cœur. Il a parfaitement casté le film, avec Roy Scheider en tant que flic de la grande ville qui a peur de l'eau Brody, Richard Dreyfuss en tant que spécialiste des requins ringard Hooper et Robert Shaw en tant que pêcheur endurci Quint. Chaque interprète avait son propre style de jeu et chaque performance a son propre tempo, mais ensemble, ils ont créé une symphonie.

Spielberg a sagement remodelé le roman original de Peter Benchley, abandonnant des intrigues secondaires idiotes sur Hooper ayant une liaison avec la femme de Brody (Lorraine Gary) et des gangsters, et ajoutant des fioritures inoubliables comme l'histoire de Quint avec les requins (en grande partie écrite, selon qui vous croyez, par John Milius) et le moment où Brody établit un contact visuel avec son jeune fils. Ce sont les moments qui restent avec vous et le genre de scènes que seul Spielberg aurait ajoutées. Déjà un maître du ton, Spielberg passe de l'horreur plus simple de la première moitié du film à une aventure en haute mer dans la seconde moitié, ne manquant jamais un battement et ne faisant jamais quelque chose qui semble déconnecté. (La partition de John Williams aide également à combler cet écart, avec le thème du requin reproduit et parodié à l'infini dans les années qui ont suivi.) "Jaws" est un exploit technique incroyable, mais c'est aussi un triomphe d'émotion brute. Sinon, comment pourrait-il effrayer toute une génération d'aller dans l'océan ?

C'est comme si nous tenions pour acquis le génie de "Close Encounter of the Third Kind". Ou peut-être est-ce parce qu'il a été éclipsé par des merveilles qui plaisent plus ouvertement à la foule comme "ET" ou "Jurassic Park". Mais cela n'enlève rien au film, qui ressemble toujours au blockbuster le plus visuellement magnifique, le plus psychologiquement complexe et le plus structurellement aventureux de Spielberg. Le scénario du film se déroule sur des pistes parallèles - l'un suit le col bleu Everyman Roy (Richard Dreyfuss), qui devient obsédé par le phénomène aérien qu'il voit dans le ciel, au prix de sa carrière et de sa famille ; l'autre retrace les efforts d'un ufologue nébuleuse (joué par François Truffaut) pour enquêter sur les mêmes visites d'un autre monde. Leurs intrigues se heurtent finalement à Devil's Tower, une formation géographique où les visiteurs extraterrestres doivent entrer en contact avec l'humanité. Si cela semble beaucoup, c'est le cas, en particulier dans les premières séquences qui oscillent entre les conflits suburbains banals et l'enquête globe-trotter de Truffaut. Mais une fois que les deux chemins commencent à converger, le film commence vraiment à bourdonner ; Le personnage de Dreyfuss rencontre une jeune mère célibataire dont l'enfant a été enlevé et le gouvernement organise une dissimulation pour dissimuler l'interface à venir. (Il y a un moment merveilleux où Dreyfuss et Melinda Dillon se dirigent vers le site que le gouvernement a autorisé. Il lui assure que tout n'est qu'une ruse. Puis ils s'arrêtent un instant et mettent des masques à gaz.)

Dans les années qui ont suivi la sortie de "Close Encounters of the Third Kind", Spielberg s'y est à la fois engagé (créant deux coupes supplémentaires du film, dont l'une est sortie en salles en 1980) et s'en est éloigné (proclamant que s'il avait fait le film aujourd'hui, il n'aurait pas laissé Roy monter à bord du vaisseau-mère). Il ne devrait jamais hésiter devant ces éléments du film; ils lui donnent sa grâce de silex. Et les effets visuels du film, réalisés par Douglas Trumbull, sont parmi les plus puissants de toute sa carrière, les notes qui saluent le vaisseau-mère extraterrestre sont parmi les plus emblématiques de la science-fiction. C'est un raccourci pour une grande science-fiction aux yeux écarquillés. Et pour une connexion à quelque chose au-delà de nous-mêmes.

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