Les 38 meilleurs films de voitures jamais réalisés, classés

Cela semble être un bon pari que le film automobile sera toujours avec nous. Bien sûr, un "film de voiture" peut signifier beaucoup de choses - d'un film de course à un road movie à, eh bien, un film qui se déroule juste parmi les voitures en général. Quoi qu'il en soit, prenons du recul et regardons certains des meilleurs films de voitures au fil des ans, et faisons-le d'une manière globale et inclusive. Cette liste de films est assez éclectique – elle comprend des classiques à engrenages, des veilles cultes, des noirs, des superproductions modernes, des favoris d'art et même de véritables obscurités. En cours de route, il nous est apparu clairement qu'un "film de voitures", plus que tout, est un film dans lequel une voiture joue un rôle clé dans la manière dont un personnage interagit avec le monde - que ce soit en tant qu'arme, outil, un rêve, un décor ou une métaphore. Voici les 38 meilleurs films de voitures. (Et comme d'habitude, nous nous sommes limités à un film par franchise, de peur que vous ne vous demandiez pourquoi il n'y a pas une demi-douzaine de films Fast and Furious sur cette liste.)

C'est essentiellement Jaws avec une voiture, et c'est aussi fou que cela puisse paraître. Une automobile noire, vraisemblablement venue des profondeurs de l'Enfer, terrorise une petite ville, et c'est le travail du juriste local James Brolin de l'arrêter. Complètement ridicule, parfois risible. Mais c'est aussi un peu son génie : parce que cette voiture fait toutes sortes de choses qu'une voiture ne pourrait jamais faire, vous ne savez jamais vraiment à quoi vous attendre. Réalisé par Elliot Silverstein, ce film d'horreur culte était un pilier de la fin du spectacle : tout enfant qui changeait de chaîne tard dans la nuit dans les années 80 lorsque ces accords inquiétants "Dies Irae" apparaissaient savait qu'il ou elle allait avoir quelque chose de spécial.

Ce film n'est pas tout à fait le chef-d'œuvre qu'il était présenté à l'époque, mais c'est un mélange fascinant d'influences pop – les classiques laconiques des années 70, les styles New Age des années 80, l'ironie branchée de l'ère millénaire. Le réalisateur Nicolas Winding Refn sait filmer la violence, mais plus important encore, il sait anticiper la violence. Et en utilisant un Ryan Gosling presque comique et inexpressif (jouant un cascadeur-pilote d'évasion, un peu comme Ryan O'Neal dans The Driver), il construit des décors élaborés et impassibles qui sont troublants dans la façon dont ils promettent des horreurs graphiques et brutales que le film ne montre qu'occasionnellement. De plus, avouons-le, la bande son est cool.

Dans ce film noir classique de 1958 se déroulant dans le monde des trafiquants illégaux des montagnes, Robert Mitchum incarne un jeune vétérinaire travaillant comme transporteur – l'un de "ces hommes sauvages et téméraires, qui transportent du whisky illégal de sa source à son point de distribution", en utilisant des voitures gonflées. Ce n'était pas une création de film fantaisiste; c'était une véritable sous-culture. Le film n'a peut-être pas les détails authentiques de ces films de voitures classiques qui commenceraient à sortir environ une décennie plus tard, mais Mitchum est et sera toujours le chat le plus cool à l'écran. Donnez-lui un hot rod, et il est soudainement plus cool.

"Tu n'étais censé faire sauter que ces putains de portes !" L'escroc de Cockney, Michael Caine, récemment libéré du tintement, organise un braquage vraiment ridicule pour voler 4 millions de dollars en lingots d'or de la mafia au centre de Turin en utilisant des Mini Coopers. C'est un petit film étrange et idiot, mais il est rempli de morceaux charmants, de Noel Coward en tant que gangster aristocratique à Benny Hill en tant que prof pervers en passant par la partition jazzy de Quincy Jones. Plus important encore, le braquage central et ses conséquences ridicules sont délicieusement bien exécutés. Bien que très différents dans le ton et le style, les films Fast and Furious doivent beaucoup à ce classique culte pétillant.

Jason Statham, qui a maintenant rejoint la franchise Fast and Furious, a marqué sa première franchise en jouant un chauffeur expert qui est payé pour transporter du fret – tout type de fret, sans poser de questions. Beaucoup d'entre nous ont sous-estimé ce film à l'époque; la bêtise semblait juste être trop, et le comportement stoïque de Statham était raide, malgré ses prouesses physiques considérables. Mais au fil des ans, lui et le film ont grandi sur nous, gagnant un éclat rétroactif merveilleusement surréaliste. Il s'agit d'un film d'action amusant, en roue libre et tellement français – le genre de film qui peut ralentir pour ruminer sur les madeleines et Proust avant de procéder au chaos. C'est bien sûr le style maison d'EuropaCorp. La société de production dirigée par Luc Besson nous a également donné les films Taken, Lucy, et un certain nombre d'autres spectacles d'action fous, ringards et fous.

En partie The Bicycle Thieves, en partie The Old Man and the Sea, ce joyau turc peu connu est l'histoire hilarante et poignante d'un pauvre villageois qui va travailler en Allemagne et économise pour s'acheter une Mercedes jaune bien-aimée. Espérant se prélasser dans la gloire de son succès durement gagné, il tente de le ramener dans son village, pour rencontrer de nombreux barrages routiers en cours de route - la plupart d'entre eux étant liés à sa propre vénalité et à son matérialisme, ainsi qu'aux chauffeurs tristement horribles de la Turquie. Un conte très humain qui réussit aussi à être une vive satire sociale.

Peter Fonda et Adam Roarke jouent deux artistes / coureurs de zéro à 100 hold-up qui volent un immense supermarché, pour se retrouver avec la groupie NASCAR (Susan George) que le personnage de Fonda a couché la nuit précédente. S'éloignant des flics, d'abord dans une Chevy Impala 68 gonflée, puis dans une Dodge Challenger criarde, le trio se chamaille et plaisante sans relâche. Pendant ce temps, l'homme de loi énervé et frustré (Kenneth Tobey) qui tente de coordonner la chasse à l'homme doit faire face à une incompétence abjecte et à une bureaucratie ahurissante, ainsi qu'à son propre désir de revivre sa jeunesse. Il n'y a pas une seule personne sensée dans ce film, mais les incroyables cascades, croisées avec l'atmosphère étonnamment décontractée du film, en ont fait un classique de la voiture.

Tout d'abord, un mot sur l'original: The 1974 Gone in 60 Seconds, réalisé par le cascadeur et imprésario de remorquage / saisie HB Halicki, est l'un des films les plus étranges de tous les temps, une série de scènes de voitures et de cascades cousues ensemble avec un dialogue qui tente de raconter une histoire élaborée d'un groupe de voleurs volant tout un tas de voitures; c'est limite inregardable. Le remake est à peu près l'exact opposé: un film de braquage incroyablement lisse, produit par Jerry Bruckheimer, étoilé, qui se déroule en douceur et facilement. Nicolas Cage est le maître voleur qui doit voler 50 voitures en 96 minutes. Ses coéquipiers incluent Robert Duvall et Angelina Jolie. Les décors de voitures sont ridicules et ridiculement amusants.

À son meilleur, Will Ferrell peut sans effort déchiqueter le machisme délirant, presque psychotique de l'homme américain – et il peut le faire avec le sourire. En NASCAR, il a trouvé la cible parfaite. L'un des plus grands et des meilleurs films de Ferrell était cette parodie de course hilarante, qui suivait l'ascension, la chute et l'ascension d'un champion de course suffisant, son amitié compliquée avec son meilleur ami et camarade de course John C. Reilly, et sa rivalité avec un Français effacé et arrogant joué par Sacha Baron Cohen. Le film oscille entre le triomphe du coq de la marche et l'humiliation totale avec une telle facilité que vous pourriez avoir le mal de voiture.

Le classique hors-la-loi de Burt Reynolds et Hal Needham était l'outsider cinématographique proverbial : il est sorti initialement dans les États du Sud, contournant les grands marchés médiatiques et les critiques, et n'a fait son chemin que progressivement dans le reste du pays ; cette sortie en salles populaire (que Steven Soderbergh a tenté de reproduire des années plus tard, avec Logan Lucky) a fini par faire de Smokey le deuxième plus gros succès de l'année, derrière Star Wars. Reynolds joue le Bandit, qui avec son Trans-Am sert de leurre de haut vol à son ami Snowman (Jerry Reed), qui conduit un camion rempli de bière Coors interdite à travers les frontières de l'État. Sally Field est la mariée en fuite qui fait du stop avec eux, ce qui entraîne le shérif local (et son futur beau-père) Smokey Bear (Jackie Gleason !) à les poursuivre. Le réalisateur Needham était une légende dans le monde des cascades (le personnage de Brad Pitt dans Once Upon a Time in Hollywood est en partie basé sur lui) et il remplit le film de voitures qui accélèrent, retournent et tournent. Mais ce qui le rend spécial, c'est la façon dont le voyage de Bandit, en particulier lorsqu'il se déroule sur la radio CB, rassemble des communautés entières, le transformant progressivement en un héros populaire au fur et à mesure que l'image avance.

En 1990, le réalisateur russe Nikita Mikhalkov (qui remportera plus tard un Oscar pour Brûlé par le soleil) a été engagé pour réaliser un court métrage promotionnel pour Fiat, mais a fini par créer ce court métrage magique à la place. Dans ce conte évocateur et mélancolique, un champion de course italien est chargé de conduire une voiture d'Italie en Russie. En cours de route, alors que les routes propres d'Europe cèdent la place à la désolation enneigée et menaçante de la Russie, le film devient une méditation obsédante sur l'appartenance : cet homme solitaire sans famille et apparemment sans vie passe d'interactions dénuées de sens à la constitution involontaire d'une famille de substitution étrange et dysfonctionnelle. Et comme les meilleurs films de voitures, ce qui semblait être une histoire banale d'hommes et de machines devient une métaphore de la façon dont nous vivons nos vies.

Jeff Bridges a trouvé l'un de ses grands premiers rôles avec ce drame sur Junior Jackson, un brillant jeune coureur de clair de lune qui se tourne vers le circuit de courses de stock-cars après que son père se soit retrouvé derrière les barreaux. Basé sur une histoire vraie, il s'agit autant d'un récit de passage à l'âge adulte que d'un film de course automobile - des derbies de démolition à domicile au grand circuit NASCAR, le parcours de Junior en est un d'ambition, de tentation et de conscience de soi croissante. Les scènes de voitures sont rudes, authentiques et souvent profondément convaincantes – principalement parce que les ponts au visage frais sont tellement charismatiques.

Tom Hardy est assis dans une voiture, jonglant avec une variété de tâches : une femme avec qui il a eu une liaison est sur le point d'accoucher, et il essaie de se rendre à l'hôpital ; il doit superviser à distance une immense « coulée de béton » pour une nouvelle construction (c'est bien plus important qu'il n'y paraît, faites-nous confiance) ; et il doit expliquer à sa famille pourquoi il ne sera pas à la maison pour regarder un grand match de football avec son fils. La tension du film ne vient pas de quoi que ce soit à voir avec la voiture, mais avec l'urgence croissante de toutes ces choses qui pèsent sur notre héros. Et Hardy, donnant l'une de ses plus grandes performances, est l'image même de la compétence cool et calme. Alors que sa confiance commence à s'effriter et que son véhicule à vitesse lente commence à ressembler de plus en plus à une prison, le film devient presque à couper le souffle.

Cet effort de John Frankenheimer de 1966 et Le Mans de 1971 (voir l'entrée suivante) ont d'abord commencé comme des épopées de course en studio sur le circuit européen, et dans certains cas, les films se sont retrouvés terriblement similaires : une authenticité ridicule et des séquences de course impressionnantes tempérées par le pablum hollywoodien. Grand Prix est sans doute le plus "studio" des deux : Frankenheimer travaillait au sommet de ses pouvoirs, et les séquences de course qu'il a mises en place avec le légendaire Saul Bass sont d'une intensité et d'une beauté époustouflantes, tandis que le mélodrame de peinture par numéros, sur une variété de pilotes pratiquant un sport dangereux et les femmes qui les aiment et parfois les trahissent, est rehaussé par de belles performances. (James Garner ! Yves Montand ! Toshiro Mifune ! Eva Marie Saint ! Jessica Walter !) C'est honnêtement le genre de film pour lequel le système des studios existait. À quel point cela aurait-il été incroyable de voir cela en 70 mm sur le plus grand écran imaginable ?

Encore plus que Grand Prix, cela ressemble à deux films : l'un est essentiellement un documentaire sur la course des 24 Heures du Mans de 1970, avec des images des voitures et des pilotes réels, combinées à des images impressionnantes des coulisses. (Les cinéastes auraient tourné une quantité impie de films, dont une grande partie a apparemment été perdue.) L'autre est un drame étrangement sous-développé sur Steve McQueen romançant la veuve du compagnon de route dont il craint la mort ardente. Bien sûr, McQueen était probablement distrait : il était lui-même un fou de course et voulait que le film ait autant d'authenticité que possible. À certains égards, le récit appauvri sert à mettre en évidence les scènes de course d'une authenticité saisissante : tout tombe pour que nous puissions nous concentrer sur les voitures, ce qui est clairement ce que les cinéastes eux-mêmes ont fait.

Le réalisateur iranien Jafar Panahi a été interdit de cinéma par son gouvernement, bien que cela ne l'ait pas empêché de faire des enquêtes vraiment personnelles, changeantes et de style documentaire sur sa propre vie. Ce film se déroule entièrement à l'intérieur d'un taxi que Panahi conduit autour de Téhéran, alors que différentes personnes entrent et sortent de sa voiture avec leurs propres drames étranges et très personnels. Tout n'est pas aussi non fictif qu'il n'y paraît à première vue : bon nombre de ces interactions semblent scénarisées et pointues – exposant subtilement des aspects troublants de la société iranienne, ainsi que du propre rôle de Panahi dans ce monde. C'est un film révélateur et captivant. Et c'est aussi une grande vision existentielle de l'intériorité : pour Panahi, le cocon créé par une automobile entre le conducteur et l'extérieur n'est pas sans rappeler celui entre un artiste et le monde.

Peu de gens pensent à ce classique écrit par Callie Khouri, réalisé par Ridley Scott, comme un "film de voiture", mais cela correspond parfaitement quand on y pense. Fuyant leur vie oppressante, nos héroïnes, incarnées par Geena Davis et Susan Sarandon, reprennent la trajectoire standard de libération incarnée par le road movie macho et lui donnent un coup de pied féministe. Ce faisant, ils assument et transforment également certains des éléments typiques de ces films – le pistolet, l'aventure d'un soir et, oui, la voiture. Et la finale très discutée et controversée du film – avec ses clins d'œil à Butch Cassidy et au Sundance Kid, ainsi que les points culminants de classiques tels que Vanishing Point et Dirty Mary, Crazy Larry – prend une nouvelle teinte lorsque vous commencez à penser à tout cela comme un film de voiture.

L'adaptation par John Carpenter du roman classique de Stephen King est à peu près le dernier mot dans les automobiles possédées. L'adolescent ringard et timide Keith Gordon devient obsédé par sa nouvelle Plymouth Fury de 1958 et commence à devenir plus agressif, impitoyable… différent. Est-ce la voiture ? (C'est totalement la voiture.) La prémisse loufoque de King était saisissante sur la page, mais la direction cool et efficace de Carpenter – avec l'as agissant des jeunes stars Gordon et John Stockwell, qui deviendraient tous deux des cinéastes acclamés eux-mêmes – le transforme en quelque chose de plus : un méchant cauchemar de réalisation de soi chez les adolescentes.

Le thriller tendu de Walter Hill sur un cascadeur stoïque (Ryan O'Neal) travaillant comme chauffeur d'escapade a été une influence clé sur des films ultérieurs tels que Drive, mais il s'agit essentiellement d'un remake automobile américanisé du drame phare de Jean-Pierre Melville Le Samourai. Comme dans le film de Melville, un professionnel pondéré qui s'assure de ne pas avoir d'attachements ou de bagages émotionnels se retrouve attiré par un autre humain. Et petit à petit, son isolement (dans ce cas, représenté par sa voiture) commence à se dissoudre, et il se retrouve plus vulnérable que jamais.

"C'est l'histoire vraie d'un homme, d'une arme à feu et d'une voiture. L'arme appartenait à l'homme. La voiture aurait pu être la vôtre..." L'un des plus grands films noirs de tous les temps, ce thriller de 1953 a été réalisé par la grande Ida Lupino. Deux hommes en route vers le Mexique pour une partie de pêche ramassent un auto-stoppeur, qui s'avère être un tueur psychotique. L'homme les retient en otage et les oblige à le conduire en Californie. Oh, et il dit aux deux hommes qu'il les tuera une fois le voyage terminé. Le film est remarquable non seulement pour sa tension claustrophobe et blanche, mais aussi pour la façon dont il joue subtilement avec la liberté de la culture automobile naissante en Amérique et la route ouverte. Le tueur est un homme qui, malgré toutes ses illusions, s'en prend à la complaisance et à la domesticité des autres hommes – faisant de ce thriller un précurseur de tout, d'Easy Rider à The Hitcher en passant par Collateral.

Le road movie culte surréaliste de Richard Sarafian a un mystérieux maniaque de la vitesse (dans tous les sens du terme) menant la police de plusieurs États occidentaux dans une poursuite épique alors qu'il se heurte à un échantillon représentatif de lavages après les années 60 et se souvient des divers événements de sa vie (y compris un accident de piste spectaculaire). Pendant ce temps, un DJ radio aveugle d'une petite ville raconte, encourage et mythifie le voyage. À parts égales art-house whatsit et classique fétichiste des voitures, le film fonctionne si bien grâce à la capacité du réalisateur Sarafian à filmer une poursuite, ainsi qu'à son sens du paysage.

Le biopic de Ron Howard sur la rivalité des années 70 entre les pilotes de Formule 1 Niki Lauda (Daniel Brühl) et James Hunt (Chris Hemsworth) est exagéré de toutes les bonnes manières. Le réalisateur a toujours traité à grands traits, et ici il oppose ces deux hommes comme des opposés élémentaires: le Nerdy Scrivener contre l'Easygoing Hedonist. Les deux pistes sont excellentes et elles maintiennent l'histoire quelque peu prévisible d'une concurrence obsessionnelle ancrée. Au fur et à mesure que leur rivalité se développe – et avec elle, bien sûr, leur amitié – le film nous offre également de grandes séquences audacieuses et folles qui capturent le danger et l'attrait de la course. Nous grimaçons de terreur et continuons à en redemander. C'est un film merveilleux qui, pour une raison quelconque, a été ignoré par le public.

L'ambitieuse épopée d'Edgar Wright, comédie policière, romance, comédie musicale et action, à propos d'un brillant jeune chauffeur obsédé par l'iPod (Ansel Elgort) essayant de se libérer du chef de la mafia (Kevin Spacey) pour qui il travaille, présente certaines des poursuites en voiture les plus surréalistes de tous les temps, parfaitement chorégraphiées sur la bande-son rock la plus cool de tous les temps. Ce lien crucial entre les voitures et la musique a certainement été exploré par d'autres cinéastes au fil des ans, mais Wright va plus loin : il trouve dans le lien primordial du protagoniste avec les voitures et la musique un symbole poignant de son isolement émotionnel, son besoin de tenir le monde à distance.

Le réalisateur Francis Ford Coppola et le producteur George Lucas se sont associés pour ce biopic fastueux, magnifique et étonnamment personnel sur l'inventeur d'après-guerre Preston Tucker (Jeff Bridges), qui a affronté les grands constructeurs automobiles en tant que constructeur automobile indépendant et s'est effectivement fait écraser. Mais dans le récit de Coppola et Lucas, Tucker a remporté une sorte de victoire. Beaucoup de ses inventions et innovations, telles que les ceintures de sécurité, sont monnaie courante aujourd'hui, et le film ne traite que quelque peu ironiquement son histoire comme celle d'un triomphe. Il est facile de voir comment ces deux puissants cinéastes indépendants – en particulier Coppola, pour qui c'était un projet de rêve à long terme – pourraient se reconnaître dans cette histoire d'un homme têtu et brillant qui a tenté de jouer sur la même scène avec ses concurrents plus puissants et impitoyables.

Le drame romantique classique de Stanley Donen met en scène Albert Finney et Audrey Hepburn en tant que couple marié amer et riche conduisant leur Mercedes à travers la France alors qu'ils reviennent sur des événements clés de leur vie ensemble – dont beaucoup impliquent également qu'ils conduisent quelque part. Écrit par Frederic Raphael (qui avait écrit Darling et écrira plus tard Eyes Wide Shut), le film est un portrait fascinant de la façon dont l'amour se décompose. Et dans son mouvement constant, avec son tempo presque effréné, il suggère que le temps, un peu comme cette Mercedes, est une sorte de prison quand il s'agit d'amour. Le ton étrange du film - propulsif mais mélancolique, coupant mais réfléchi - semble incarner le fait que rien ne reste jamais le même.

Dans la dramatisation épique du réalisateur James Mangold des tentatives du début des années 60 de Carroll Shelby (Matt Damon) et de Ken Miles (Christian Bale) de construire une voiture de course américaine qui pourrait battre Ferrari lors de la course des 24 heures du Mans, le langage techno de la tête d'engrenage coexiste avec des séquences de conduite intenses. Bale donne l'une de ses meilleures performances en tant qu'ingénieur et pilote bavard, brillant et sans conneries, et le tour de Tracy Letts en tant qu'Henry Ford II alterne à couper le souffle entre fanfaronnade macho et admiration aux genoux faibles, mais les vraies stars du spectacle sont les voitures, souvent prises de l'intérieur pour créer une œuvre incroyablement immersive. Alors que d'autres films de voitures se sont dirigés vers des directions plus surréalistes et consciemment artificielles, celui-ci reste ancré, avec des résultats merveilleux : c'est le film de voiture classique en tant que blockbuster des temps modernes.

L'hommage de Quentin Tarantino aux films d'exploitation de qualité Z et aux films de voitures cultes – initialement présentés comme la moitié du film omnibus Grindhouse – est un excellent film d'horreur, le film de cascades de voitures ultime et un film de repaire bizarre, plein de longueurs brevetées du réalisateur et de scènes prolongées de dialogue apparemment non pertinent. Tarantino nous donne un cascadeur (Kurt Russell) qui s'amuse à tuer des chargements de femmes sans méfiance. Dans la première moitié du film, on le voit traquer et consommer sa proie ; dans la seconde moitié, nous regardons un groupe de victimes alors qu'ils se battent. Le film est touchant, séduisant et passionnant dans une égale mesure – mais comme beaucoup des plus grands films de Tarantino, il a également la qualité ludique et expérimentale d'un puzzle narratif.

Le regretté réalisateur iranien Abbas Kiarostami a fait tellement de films se déroulant dans et autour des voitures que j'aurais parfois aimé qu'il ait un épisode de Fast and Furious, juste pour voir quelle folie il aurait pu inventer. Dans ce drame lauréat d'une Palme d'or, un Iranien d'âge moyen conduit en voiture à la recherche de quelqu'un qui l'enterrera après son suicide. C'est une configuration déprimante, mais le film est beaucoup plus doux. Kiarostami utilise la voiture à la fois comme un outil psychologique et sociologique - elle représente l'isolement de notre personnage, mais elle représente également un moyen pour les individus d'avoir des interactions privées dans cet état religieux fortement contrôlé. Alors que Kiarostami nous offre des scènes prolongées de son protagoniste en train de conduire, le paysage glissant devant ses fenêtres, quelque chose de fascinant et même d'excitant émerge. À sa manière, c'est un film automobile aussi génial que quelque chose de plus emblématique, comme Vanishing Point ou Two-Lane Blacktop.

Dans l'un des grands thrillers sous-estimés des deux dernières décennies, les frères Paul Walker et Steve Zahn (le premier est un romantique au visage frais, le second est un ex-détenu au canon lâche) s'affrontent contre la étudiante Leelee Sobieski alors qu'ils se heurtent à un camionneur psychopathe sans visage avec lequel ils ont joué sur le CB. Sexe et voitures : le réalisateur John Dahl fait ressortir les nuances troublantes alors même qu'il orchestre des décors fantastiquement terrifiants. Jouant un perdant sympathique mais égoïste, Zahn n'a jamais été aussi bon; et le jeune et charmant Walker flippe comme si personne n'en avait besoin ; le plus grand atout du film est la chimie fraternelle entre ces deux-là.

Ce n'était pas tant que les premiers films Fast and the Furious étaient réalistes. Mais à leur manière folle, ils avaient adhéré à un semblant de plausibilité. En se concentrant sur la sous-culture des courses de rue et sur les capacités spécifiques des voitures elles-mêmes, ils étaient des films de voitures amplifiés. Avec la cinquième entrée dans la franchise, cependant, la série est devenue Bond – devenant une fantaisie internationale de décors de plus en plus fantastiques, chacun plus ridicule que le précédent. Il n'y avait aucune raison pour que cela fonctionne, mais le réalisateur Justin Lin (qui a maintenant dirigé cinq de ces films, transformant ainsi cette franchise d'un box-office également diffusé en un phénomène international) a capturé juste le bon ton léger et caricatural pour faire tout chanter. Furious 7 a failli le dépasser – et qui sait, peut-être que ce sera le cas avec le temps – mais pour l'instant, Fast Five reste le summum de cette série.

Comment décrire même l'adaptation de Lana et Lilly Wachowski de la populaire série animée des années 1960 ? Appeler cela "live-action" ne rendrait pas vraiment justice à son cinétisme tourbillonnant, ses couleurs éclatantes et sa narration complexe et follement émotionnelle et son rythme de démon de vitesse; c'est comme être piégé dans un kaléidoscope pendant deux heures, de la meilleure façon possible. Speed ​​Racer d'Emile Hirsch est tout en mouvement alors qu'il tente de racheter l'héritage de son frère supposément mort Rex – John Goodman et Susan Sarandon jouent ses parents, et Christina Ricci sa petite amie, Trixie – et les Wachowskis filment les trucs de famille avec le même frénésie couleur bonbon qu'ils apportent aux séquences de course. Les réalisateurs ont compris que l'attrait de l'original n'avait rien à voir avec les voitures et tout à voir avec le spectacle de dessin animé et l'émotion extrême. En conséquence, ils n'essaient en aucun cas de le rendre réaliste - en fait, leur Speed ​​​​Racer semble encore plus faux que la série. Mais les effets révolutionnaires créent pratiquement un autre niveau d'être : quelque chose au-delà de la simple animation ou de la simple action en direct. Vous n'avez jamais rien vu de tel. Et c'était un flop, donc vous ne reverrez probablement jamais rien d'autre comme ça.

Bien qu'il ait été fait pour la télévision, la plupart des gens considèrent qu'il s'agit du premier vrai long métrage de Steven Spielberg. C'est certainement la première fois que nous avons une vue complète de son incroyable talent. Dennis Weaver est le banlieusard aux manières douces coincé au volant d'une voiture terrorisée par un mystérieux semi-remorque sans raison apparente. Ce qui commence comme un petit thriller serré devient une étude fascinante sur la masculinité. Weaver est l'Eternal Pushover, le gars qui se fait toujours marcher dessus et écarter. Son poursuivant massif, bestial et apparemment indestructible est tout ce qu'il n'est pas. Le va-et-vient entre ces deux figures - entre, essentiellement, l'homme et le destin - a un coup de pied existentiel délicieux et délirant. De plus, ce film, écrit par Richard Matheson, est tout simplement excitant comme l'enfer.

Dans le chef-d'œuvre de Leos Carax, l'énigmatique Monsieur Oscar (Denis Lavant) parcourt Paris dans une limousine, habitant des personnages extrêmement différents en cours de route – chaque scène résultant apparemment en un grand moment émotionnellement cathartique… avant qu'Oscar ne passe simplement à la chose suivante. Au nom de Dieu, qu'est-ce que c'est que ça ? Une allégorie religieuse ? Une métaphore du jeu d'acteur et/ou du cinéma ? Une méditation sur la nature sans cesse mouvante du monde moderne ? Une vision d'une âme à la dérive ? Une chose est sûre: dans cette image récurrente d'Oscar traversant la ville dans sa limousine, Carax capture une métaphore visuelle parfaite pour le voyage épisodique et légèrement éloigné du personnage à travers cette existence bizarre et disparate.

Le classique culte d'Alex Cox est une comédie inclassable sur un enfant punk de banlieue (Emilio Estevez) qui rencontre un vétéran du repo (Harry Dean Stanton) et apprend "le code du repo", tandis qu'une histoire impliquant des extraterrestres volés, des criminels punks, des agents du gouvernement, des télévangélistes et des ex-hippies tourbillonne autour de lui. Le réalisateur Cox s'attaque au consumérisme, à la marchandisation, au capitalisme et au conformisme, mais il n'est pas une réprimande. Il a cette capacité unique de créer une satire barbelée tout en évoquant des personnages ridiculement mémorables, ne laissant jamais sa juste colère entraver son humanisme. Le résultat est un film qui a défini l'ethos punk pour toute une génération de téléspectateurs.

Le thriller de Michael Mann sur un chauffeur de taxi de Los Angeles (Jamie Foxx) et son passager tueur à gages (Tom Cruise) est absolument un film de voiture, au cas où vous vous poseriez la question : il s'agit de savoir comment le taxi de Foxx représente un cocon sûr à travers lequel il découvre le monde et qui l'empêche de saisir la vie qu'il pourrait vivre. Lorsque l'assassin aux cheveux blancs de Cruise entre dans ce cocon, il commence à piquer le sens prudent et contrôlé de Foxx; le trajet en taxi de l'enfer s'avère être un rite de passage. Comme il est approprié, alors, que l'affirmation la plus importante de Foxx sur son identité survienne lorsqu'il totalise le taxi avec les deux à l'intérieur. Pendant ce temps, les paysages urbains bien-aimés de Mann à Los Angeles n'ont jamais été aussi vifs ou beaux.

Le road movie classique (et classiquement calme) de Monte Hellman sur un conducteur (James Taylor), un mécanicien (Dennis Wilson) et une fille (Laurie Bird) faisant la course avec un homme dans un cross-country GTO (Warren Oates) est le genre de film capricieux et séduisant que vous voulez voir encore et encore – et qui en révèle un peu plus à chaque visionnement. Co-écrit par Rudy Wurlitzer, le film n'est pas exactement une métaphore, pas exactement un drame. Au lieu de cela, dans les interactions parfois déconcertantes entre ces personnages, cela crée un étrange petit écosystème de compétition, de codépendance, de ressentiment et d'aliénation. Mais les plus inoubliables sont les séquences de conduite fantastiques et les performances fascinantes presque avec désinvolture – avec James Taylor pour une avance parfaitement intense (et étonnamment charismatique), un repoussoir idéal pour les Oates bavards et légèrement impuissants.

La série Mad Max a toujours été la plus grande des franchises de films automobiles – mélangeant les visions dystopiques noires du réalisateur George Miller avec des films très stylisés et des cascades de voitures époustouflantes et réelles. Le débat durera probablement pour l'éternité quant à savoir si Fury Road (la quatrième entrée) dépasse The Road Warrior (la deuxième), mais il est difficile de nier que ce dernier épisode turbocharge chacun de ces éléments susmentionnés : la dystopie est encore plus sombre, le cinéma plus stylisé et les cascades plus folles. Même le rôle principal est plus sombre qu'auparavant, Tom Hardy surpassant facilement son prédécesseur Mel Gibson. Et, bien sûr, cette image est celle qui nous donne des personnages aussi indélébiles que l'Imperator Furiosa et Immortan Joe. Pourtant, ce qui est vraiment incroyable à propos de Fury Road, c'est comment, au milieu de ses séquences d'action implacables et propulsives – et c'est vraiment un film qui ne s'installe presque jamais – nous en apprenons tellement sur ces personnages et le monde terrifiant qu'ils habitent. C'est un cauchemar éveillé, une balade à sensations fortes à couper le souffle et une œuvre d'art déconcertante.

Pas de plainte. C'est totalement un film de voiture. Bien sûr, le chef-d'œuvre de Martin Scorsese n'est pas un classique à engrenages; vous ne trouverez pas de fous de voiture le fétichisant ou quelque chose comme ça. Mais cette étude de la solitude, de la folie et de la violence concerne la façon dont le chauffeur de taxi Travis Bickle (Robert De Niro) dérive à travers la ville – les rues humides et enfumées formant une vision de l'enfer alors qu'elles glissent devant son pare-brise. Dans la façon dont il crée une frontière apparemment imperméable entre Travis et le monde, et dans la façon dont les personnages qui entrent dans son taxi, chacun à leur manière, pénètrent son sentiment d'identité, ce n'est pas seulement un film de voiture ; c'est le film de voiture ultime.