Les 50 meilleurs films de tueurs en série de tous les temps

Pas plus tard qu'en 2017, une organisation à but non lucratif étudiant les meurtres non résolus dans la base de données du FBI a estimé qu'il pourrait y avoir jusqu'à 2 000 tueurs en série actifs aux États-Unis à un moment donné.

Qu'il suffise de dire qu'ils ne sont pas tout ce qu'il y a de complot dans les films d'horreur classiques. Rares sont les cannibales. Peu de gens vivent dans de vieilles demeures décousues avec des passages secrets et un donjon privé au sous-sol. Encore moins laissent derrière eux des cryptographes diaboliquement complexes pour qu'un détective harcelé et fumant à la chaîne et son partenaire débattent d'assiettes d'œufs gras et de café noir. La réalité la plus effrayante est que beaucoup d'entre eux passent pour les personnes "moyennes" avec lesquelles nous interagissons tous les jours. C'est ainsi que semblent se dérouler ces histoires : un tueur en série n'est pas l'étranger à l'air sinistre qui vient d'arriver en ville ; c'est ce voisin silencieux qui "gardait pour lui, la plupart du temps". Mais ce n'est pas ce que vous voyez dans les films de tueurs en série.

C'est peut-être la raison pour laquelle le cinéma est si fasciné par la version plus grandiose et maniaque du tueur en série - ces histoires nous font vibrer alors même qu'elles nous détournent du danger plus pressant et de la banalité du mal quotidien. Quoi qu'il en soit, le concept de "tueur en liberté" est un sol cinématographique riche depuis presque aussi longtemps que le cinéma existe. Remontez jusqu'aux années 1920 Le Cabinet du Dr Caligari et ce que vous avez est essentiellement une histoire de tueur en série, bien que dans laquelle les meurtres sont perpétrés par un somnambule hypnotisé. Mais le point tient.

Ci-dessous, nous avons rassemblé les 50 plus grands films sur les tueurs en série : une galerie cauchemardesque de meurtriers à la fois fantastiques et troublants au quotidien. Certes, il existe de nombreux films sur des personnes tuées en série - trop pour être pris en compte et comparés sans certains paramètres de base. Alors, voici comment nous définissons l'idée de films de tueurs en série.

Les tueurs dans ces films doivent être humains. Les vampires, les loups-garous et les requins géants tuent tous en série, mais ce ne sont pas des "tueurs en série" en soi.

Les tueurs ne peuvent pas posséder de pouvoirs ou de capacités surnaturels manifestes. Ils ne peuvent pas être des fantômes ou des revenants morts-vivants. Cela signifie, par exemple, que Michael Myers d'Halloween est toujours en mesure de se qualifier, car il est définitivement un être humain, contrairement à Jason Voorhees de Friday the 13th ou Freddy Krueger de A Nightmare on Elm Street, étant donné que l'un est (généralement) un golem mort-vivant et l'autre est un monstre de rêve surnaturel.

En fin de compte, ce sont toutes des histoires d'êtres humains authentiques, tuant d'autres êtres humains. J'ai compris? Il y a un croisement évident avec notre liste des meilleurs films slasher de tous les temps, alors assurez-vous de vérifier cela également.

50. Pièces Année : 1982 Réalisateur : Juan Piquer Simón

Pieces est le genre de slasher idiot et casse-tête du début des années 80 dans lequel il est difficile de décider si le réalisateur essaie de parodier sournoisement le genre ou croit réellement en ce qu'il fait. Quoi qu'il en soit, Pieces est un film délicieusement stupide, mettant en scène un tueur qui assassine sa mère avec une hache alors qu'elle était enfant après qu'elle l'ait grondé pour avoir assemblé un vilain puzzle pour adultes. Tout adulte, il traque des femmes sur un campus universitaire et scie des "pièces" afin de construire une vraie femme de puzzle. Les séquences de meurtre individuelles du film sont complètement et totalement dingues, la meilleure étant une séquence dans laquelle le rôle principal féminin marche dans une ruelle sombre et est soudainement attaqué par un "professeur de kung fu" en survêtement joué par l'acteur de "Brucesploitation" Bruce Le. Après qu'elle l'ait neutralisé, il s'excuse, disant qu'il a dû avoir "un mauvais chop suey", et valse hors du film. Le tout prend moins d'une minute. Pieces possède également l'un des meilleurs slogans cinématographiques de tous les temps : "Pieces : C'est exactement ce que vous pensez que c'est !" Comme le dit Schlock, c'est un classique méconnu. —Jim Vorel

49. The Clovehitch KillerAnnée : 2018 Réalisateur : Duncan Skiles

La vie dans une petite ville d'Amérique chrétienne peut avoir un effet abrutissant sur une personne, aspirant toute personnalité et vitalité, remplaçant toute identité individuelle par une meilleure vie à travers le dogme. Dans The Clovehitch Killer, le réalisateur Duncan Skiles reproduit cet appât et interrupteur à travers la caméra du directeur de la photographie Luke McCoubrey. Le film est tourné à l'arrêt, la caméra plus ou moins fixe d'une scène à l'autre, comme affectée par l'ambiance d'un bourdonnement routinier tout au long de son décor de Somewhere, Kentucky. Presque aucun des personnages que nous rencontrons dans le film n'a d'étincelle; ce sont des drones chargés de maintenir l'intégrité de la ruche contre les intrus qui, Dieu nous en préserve, se donnent vraiment la peine d'être quelqu'un. Pris dans cette dynamique se trouve Tyler (Charlie Plummer), maladroit, calme et timide, le fils de Don (Dylan McDermott), un homme à tout faire et chef de troupe scout, ce qui apporte une consternation inexprimée à Tyler en tant que scout lui-même. En surface, Don ressemble et agit également comme un automate, avec parfois des notes d'humour et de chaleur en sa qualité de père et de chef scout. En dessous, cependant, il est quelque chose de plus, du moins ce que soupçonne Tyler : The Clovehitch Killer, un tueur en série qui a autrefois tourmenté leur région avec une horrible série de meurtres terminée depuis longtemps. Ou peut être pas. Peut-être que Don a juste un vrai fétiche et garde la corde pour s'amuser dans la chambre. Quoi qu'il en soit, les pères ne sont pas toujours qui ou ce qu'ils apparaissent.

Les films d'horreur parlent de tortillements, de l'accumulation angoissante de tension au fil du temps qui, bien réalisée, laisse les téléspectateurs sortir de leur peau avec effroi. Dans The Clovehitch Killer, cette sensation est entièrement générée par l'artisanat plutôt que par des effets. Cette maudite caméra, immobile et sans agitation, est toujours heureuse de filmer ce qui se trouve devant elle, jamais du genre à faire un panoramique pour saisir de nouveaux angles. Ce que vous voyez est ce qu'il vous montre, mais ce qu'il vous montre pourrait être plus horrible que vous ne pouvez le supporter en un coup d'œil. C'est un film diabolique qui fait magnifiquement ce que les films d'horreur sont censés faire - nous vexer de peur - par les moyens les plus trompeusement simples. —Andy Crump

48. The HitcherAnnée : 1986 Réalisateur : Robert Harmon

Dans les films d'horreur, il y a quelque chose de séduisant chez un tueur implacable et imparable dont la motivation est uniquement de détruire la vie innocente avec une ferveur nihiliste, presque surnaturelle. Une partie de la raison pour laquelle l'Halloween original est toujours aussi effrayant réside dans sa capacité effrayante et sans effort à présenter Michael Myers comme une figure de la mort elle-même : aucune raison, aucune rime, il ne s'arrêtera pas tant que vous n'arrêterez pas de respirer. L'original The Hitcher fonctionne sur plusieurs des mêmes niveaux, car la simplicité de sa prémisse sur un couple (C. Thomas Howell et Jennifer Jason Leigh, qui assume un double rôle, en tant que moitiés supérieure et inférieure de son corps) traqué par un auto-stoppeur maniaque meurtrier (Rutger Hauer) tire pleinement parti du mystère non résolu entourant les motivations du tueur. (Transformez le camion de Duel en Rutger Hauer, et vous obtenez The Hitcher.) Le film du réalisateur Robert Harmon projette une aura convenablement dégoûtante et de qualité inférieure, correspondant parfaitement au point de vue philosophique du tueur, une approche esthétique qui échappe aux créateurs du remake malheureux de 2007, qui semble trop brillant pour fonctionner à un niveau viscéral. De plus, avec tout le respect que je dois à Sean Bean, ce n'est pas Rutger Hauer. —Oktay Ege Kozak

47. Le garçon derrière la porteAnnée : 2021 Réalisateur : David Charbonier, Justin Powell

La chose sur laquelle repose le plus l'histoire d'un enlèvement d'enfance / d'un tueur en série Le garçon derrière la porte n'est pas la nostalgie, bien que si vous êtes un adulte, cela peut sembler être le cas. Le pouvoir de l'amitié est ce qui maintient le cœur de ce film à pomper du sang frais jusqu'à la toute fin. Il y a quelque chose de si doux et incassable dans une véritable parenté d'enfance, et ce lien précieux est mûr entre Bobby et Kevin. Ils sont le roc l'un de l'autre, et leurs impulsions de dialogue et de caractère solidifient cette pièce importante du puzzle qui les aide tout au long. Leur mantra, "amis jusqu'à la fin", les soutient à travers leurs épreuves et leurs tribulations, et il est clair que leur connexion symbiotique est leur plus grand atout. Il est facile, en tant que spectateur, de ressentir une profonde catharsis avec cet élément et votre esprit reviendra à ces moments d'enfance idylliques avec celui qui était votre meilleur ami. Mais il semble que les cinéastes se soient également fait un devoir d'aller plus loin dans ces sentiments: leur histoire vous rend si reconnaissant pour ces moments, au milieu de l'incertitude de la vie et de l'insidiosité de l'humanité, que le sentiment vous déstabilisera. Et, comme Le garçon derrière la porte, ça devrait. —Lex Briscuso

46. ​​Été de SamAnnée : 1999 Réalisateur : Spike Lee

L'été de Sam ne concerne techniquement pas le tueur du fils de Sam, qui a terrorisé New York pendant l'été 1977 avec son arme de prédilection, une arme de poing de calibre 44 – c'est un retour pour le réalisateur Spike Lee pour explorer les dommages irréversibles que la paranoïa infondée et les préjugés incontrôlés peuvent infliger aux quartiers, aux amitiés et aux relations. D'une certaine manière, Summer of Sam fonctionne comme un mini-rechapage Do The Right Thing, se concentrant moins ouvertement sur la race et davantage sur la façon dont la société marginalise les personnes qui, pour une raison quelconque, sont différentes. Lorsque Richie (Adrian Brody) retourne dans son quartier conservateur italien en s'habillant et en agissant comme un fier membre d'un groupe punk britannique, la réaction immédiate de ses vieux amis est qu'il est un monstre, il doit donc être responsable des meurtres qui affligent la ville. Lee traite les exploits de Son of Sam comme une sous-intrigue - Summer of Sam peut sembler un peu gonflé et trop long, en fait, avec trop de personnages et de sous-intrigues - contribue en fait à accentuer le choc viscéral des meurtres du film : les scènes de mort n'ont pas le suspense habituel d'un film de tueur en série standard, de sorte que lorsque le tueur s'approche avec désinvolture de ses victimes et vide son arme, la violence commence soudainement et se termine soudainement, ce qui nous permet d'en contempler la réalité, en contraste direct avec des séquences plus étrangement macabres, comme lorsque le tueur a une conversation avec un chien. —Oktay Ege Kozak

45. Creep 2Année : 2017 Réalisateur : Patrick Brice

Creep n'était pas un film demandant une suite. À propos de l'un des tueurs en série les plus uniques du cinéma – un homme qui a apparemment besoin de nouer des liens personnels étroits avec sa carrière avant de les expédier comme témoignages de son "art" – l'original de 2014 était suffisamment autonome. Mais Creep 2 est cette suite rare dans laquelle l'objectif semble ne pas être "recommençons", mais "allons plus loin" - et par plus profond, nous entendons beaucoup plus profond, car ce film sonde la psyché du psychopathe central (qui passe maintenant) Aaron (Mark Duplass) de manière à la fois totalement inattendue et choquante de sincérité, alors que nous assistons (et sympathisons en quelque sorte avec) un tueur qui a perdu sa passion pour le meurtre, et donc sa joie de vivre. En vérité, le film renonce presque à l'idée d'être un "film d'horreur", n'en restant un que parce que nous connaissons les atrocités qu'Aaron a commises dans le passé, tout en devenant beaucoup plus un drame interpersonnel sur deux personnes explorant les limites de la confiance et de la vulnérabilité. Desiree Akhavan est magnifique dans le rôle de Sara, la seule autre vedette principale du film, créant un personnage capable de se connecter de manière humaniste avec Aaron, contrairement à tout ce qu'un fan du premier film pourrait imaginer. Deux interprètes dévoilent tout, au sens propre comme au sens figuré : Creep 2 est l'un des films d'horreur les plus surprenants et émotionnellement résonnants de mémoire récente. —Jim Vorel

44. Serial MomAnnée : 1994 Réalisateur : John Waters

John Waters, toujours averti et sophistiqué, a présagé la véritable fixation du crime de l'Amérique - dans le sillage des frères Menendez et des procès de Pamela Smart, avant même le révolutionnaire To Die For de Gus Van Sant et à la lueur des meurtres d'OJ Simpson - avec la maman en série ironique. Farce au premier plan, Waters comprend parfaitement le pouvoir de voir Kathleen Turner jouer le meurtrier titulaire, une femme dont l'attrait, la domesticité et le statut de classe lui permettent la sympathie et le pardon non mérités que ses crimes ignobles exigent pour continuer, mais n'hésite jamais à juxtaposer la convivialité du comportement de Beverly Sutphin (Turner) avec la nature putride de sa psyché, produisant un film aussi bouleversant qu'hilarant sur le noyau corrompu de la société. envies de ces trucs merdiques. Alors même que sa famille tente de freiner ses voies meurtrières, Beverly réussit à mettre fin à la vie de ceux dont elle veut mettre fin à la vie, son mari (Sam Waterston) et sa fille (Ricki Lake) et son fils (Matthew Lillard) impuissants face à la vague d'audiences et les chiffres de Nielsen s'efforcent de les contrecarrer. Avec peu de place pour le débat, Waters rejette la responsabilité d'une telle misère à nos pieds, insistant sur le fait qu'avec chaque morceau de télé-réalité que nous consommons, nous encourageons un autre psychopathe à faire ce pas supplémentaire vers ses 15 minutes de célébrité sinistre. —Dom Sinacola

43. Black WidowRéalisateur : Bob Rafelson Année : 1987

Poussant la vanité de la femme fatale à l'extrême, le réalisateur Bob Rafelson, dont les crédits incluent Five Easy Pieces et le remake de 1981 de The Postman Always Rings Twice, livre un noir moderne rehaussé par deux performances en tête d'affiche. Debra Winger fait Debra Winger en tant qu'agent du FBI, Alex, qui devient obsédé par l'auteur d'une série de mariages puis de meurtres non résolus. Theresa Russell correspond à sa note pour note en tant que renarde chercheuse d'or Catharine, qui est aussi douée pour le long con que pour le jeu du chat et de la souris avec le costume monotone de Winger. Ensuite, il y a la quantité stupéfiante de recherches impliquées - Catherine sur les passions de ses futures victimes, Alex sur son suspect. C'est intelligent, avec des commentaires de genre pointus pour démarrer. La simple Jane Fed joue les ennemis avec le caméléon glamour tandis que le grand cinéaste Conrad L. Hall (Cool Hand Luke, American Beauty) exploite le suspense dans l'ombre, pour mieux mettre en lumière les yeux d'acier et le placage de porcelaine de Russell - elle est effrayante. Des points bonus pour un camée drôle de Dennis Hopper comme l'une des marques de Catharine, et une Diane Ladd aux ongles longs et lubriques comme l'un de ses proches. —Amanda Schurr

42. Death ProofAnnée : 2007 Réalisateur : Quentin Tarantino

Kurt Russell joue le tueur en série Stuntman Mike dans Death Proof, la moitié de Quentin Tarantino du double long métrage Grindhouse, mais les voitures sont les vraies stars. Comme il le fait dans toutes ses œuvres, Tarantino remplit la vie de sa ménagerie diversifiée de personnages avec son mélange caractéristique de dialogue pop-culturel banal et de violence insensée. Dans une séquence exaltante, la cascadeuse de la vie réelle Zoe Bell s'accroche de manière précaire au capot d'une voiture à grande vitesse dans ce qui est l'une des plus grandes scènes de poursuite de l'histoire du cinéma. En fin de compte, Death Proof ne sera jamais considéré comme l'une des "œuvres majeures" de Tarantino – surtout après les récentes révélations de l'accident de voiture d'Uma Thurman sur le tournage de Kill Bill – mais c'est toujours une bonne dose d'adrénaline de voir Stuntman Mike obtenir enfin ce qui lui arrive. —Tim Basham

41. Deranged : Confessions of a NecrophileAnnée : 1974 Réalisateurs : Alan Ormsby, Jeff Gillen

Imagining Deranged comme la préquelle lâche de Seul à la maison fait des grands contes de Buzz sur le voisin effrayant le truc de vrais cauchemars. Dans Alan Ormsby et le culte canadien de Jeff Gillen, la Culte canadienne, Roberts Blossom incarne Ezra Cobb (son seul rôle principal, bien qu'il n'ait jamais gagné près de la quantité d'attention qu'il a attirée comme un vieil homme mal compris), une petite ville qui a un core-deternes qui a un core-core de façon récemment découragée, ce qui fait plus d'obstructions pour un core-core pour meurtre pour un cori-chef, un cori-chef pour un core-core de meur PSE Company. Comme la plupart des histoires sur les tueurs en série, les troubles mentaux d'Ezra s'inspirent largement de la fascination morbide de la culture pop pour les individus dérangés par la toux qui existent dans tous les coins domestiqués de la planète, déguisant leurs névroses pour fonctionner au sein de la société. peurs) - se délectant de briser un tabou après l'autre, imperturbable par l'horreur représentée à l'écran. Deranged devient dégoûtant, ses derniers instants révélant que, comme tant de films de ce genre, cela ne peut se produire que dans un univers sans Dieu, un univers dans lequel il n'y a ni raison ni but au mal. Tout au long de tout cela, Blossom livre une performance bouleversante, son visage un cimetière d'ombres et de terribles souvenirs poussés à des niveaux d'élasticité à la Jim-Carrey, aussi inhumains que strictement corporels. Rétrospectivement, on comprend les avertissements de Buzz, aussi manipulateurs soient-ils : Blossom est le visage d'un gars qui pourrait battre à mort un passant innocent avec une pelle à neige sans broncher. —Dom Sinacola

40. Je ne suis pas un tueur en sérieAnnée : 2016 Réalisateur : Billy O'Brien

En surface, ce joyau méconnu de 2016 semble subtilement familier à ceux qui ont peut-être vu des séries telles que Dexter : un garçon (Max Records) aux tendances sociopathes prononcées craint d'être "destiné" à devenir un tueur en série, et vit donc selon un ensemble de règles conçues pour assurer la sécurité de ceux qui l'entourent. Mais le film fait la distinction inhabituelle de faire en sorte que l'état mental et émotionnel du jeune John Wayne Cleaver soit bien mieux compris par ceux qui l'entourent que ce qui est typique pour les films de ce genre – ils essaient au moins d'être des alliés, qu'il puisse le voir ou non. Records est captivant en tant que chef de file, projetant une fascination pour le fonctionnement interne dégoûtant du corps humain et de la condition humaine, tandis qu'un Christopher Lloyd, âgé de 78 ans, vole la vedette en tant que voisin hésitant mais dangereux de John. Petit budget mais gore et élégant à la pelle, Je ne suis pas un tueur en série est un film dont l'acte final s'écarte du récit attendu d'une manière qui peut être choquante, c'est le moins qu'on puisse dire, mais tout au long de celui-ci, il maintient une prise solide sur ses thèmes fondamentaux de l'émotion, de la famille et de la prédestination. —Jim Vorel

39. ManiacAnnée : 2012 Réalisateur : Franck Khalfoun

Maniac est une réinvention assez impressionnante du film d'horreur d'exploitation du même nom de 1980, une tentative de prendre du matériel grindhouse et de le redresser dans une peau moderne, à la fois choquante et stimulante. Elijah Wood donne une performance transformatrice en tant que tueur, Frank Zito, même si vous ne voyez presque jamais le visage de Wood, étant donné que tout le film est filmé du point de vue du tueur - oui, tout le film. Au lieu de cela, le public entend le bruit de fond de sa folie alors qu'il marmonne pour lui-même et traque ses victimes féminines. Soyez averti: la violence de Maniac est difficile à surveiller, même pour les vétérans de l'horreur chevronnés, et le plan POV constant de la perspective du tueur rend immédiatement le public à la fois coupable de sa complicité et malade de sa solidarité avec le tueur. Certains diront qu'il est trop gratuit en termes de brutalité, mais le film est tellement assuré dans ses visées artistiques qu'il est difficile de s'en tenir à la critique. Sur une partition alternée de synthé Carpenter et de musique classique / opéra, Maniac est un film d'art et d'essai gore s'il en est un. —Jim Vorel

38. CruisingAnnée : 1980 Réalisateur : William Friedkin

Source de tumulte et de protestation lors de sa sortie originale, William Friedkin's Cruising a vu le réalisateur replonger ses orteils dans la sous-culture gay, et bien qu'il soit passé de la classe moyenne, des appartements imbibés d'alcool de The Boys in the Band (1970) à des bars en cuir souterrains et tachés de sueur, peu de changements dans la façon dont il conceptualisait la façon dont les hommes homosexuels conceptualisaient leurs propres peurs et désirs. Point de vue extérieur ou non, le lien entre son adaptation de la pièce Albee-esque de Mart Crowley et le noir pulpeux d'un thriller de Gerald Walker est la haine de soi, à la fois sur des hommes adultes dont l'identité entière dépend de leur capacité à s'engourdir. Friedkin's Cruising encadre cette anxiété dans l'histoire d'un flic, Steve Burns (Al Pacino), qui se cache dans la culture du cuir de New York pour trouver un tueur en série assassinant des hommes sur les lieux, le lien de Friedken entre le sexe et la mort amplifié en raison de son étrangeté. Si le réalisateur a un regard maladroit et vagabond, il semble logique que Burns de Pacino soit lui aussi fasciné, repoussé, attiré et captivé par une manifestation de masculinité qui mélange délibérément l'étranger et le familier. Comme un amalgame du danger de la masculinité toxique et une méditation prophétique sur la crise du sida (le premier rapport sur le sida n'a été publié dans le New York Times que le 3 juillet 1981), Cruising est stupéfiant comme le voyage réticent d'un homme dans un trou de lapin gay (gloire). — Kyle Turner

37. Année : 2022 Réalisateur : Ti West

X est un retour en forme remarquable et inattendu pour le réalisateur Ti West, une décennie éloignée d'une vie antérieure en tant qu'auteur d'horreur "en devenir", qui a principalement travaillé comme réalisateur de télévision mercenaire au cours des 10 dernières années. Revenir d'une manière aussi éclatante, via une refonte A24 du film slasher classique, conçu comme le premier film d'une nouvelle trilogie ou même plus, est à propos de la résurrection la plus impressionnante que nous ayons vue dans le genre d'horreur de mémoire récente. X est une combinaison scintillante de confortablement familier et de grossièrement exotique, immédiatement reconnaissable dans sa structure mais plus profonde dans le thème, la richesse et la satisfaction que presque tous ses pairs. Combien de tentatives de styles de slasher de retour avons-nous vu au cours des cinq dernières années ? La réponse serait "innombrables", mais peu effleurent la surface de la tension, du suspense ou même du pathos que X entasse dans l'une d'une douzaine de scènes ou plus. C'est un film qui nous fait rêver de manière inattendue aux côtés de ses personnages, nous expose (graphiquement) à leurs vulnérabilités et établit même des "méchants" profondément sympathiques, pour des raisons qui deviennent progressivement claires à mesure que nous réalisons que ce n'est que le premier chapitre d'une histoire plus large de films d'horreur offrant un commentaire ironique sur la façon dont la société est façonnée par le cinéma. Avec une cinématographie captivante, une excellente conception sonore et des personnages plus profonds que les larges archétypes qu'ils enregistrent initialement pour un public d'horreur endurci, X propose une méditation moderne sur la sauvagerie sanglante de Mario Bava ou Lucio Fulci, rendant les vieux succès frais, opportuns et grossiers une fois de plus. En 2022, ce film est tout un cadeau au concept de cinéma slasher. —Jim Vorel

36. La CelluleAnnée : 2000 Réalisateur : Tarsem Singh

La carrière du réalisateur Tarsem Singh n'a jamais tout à fait réussi à tenir la promesse vue pour la première fois dans The Cell des années 2000. Cette version futuriste et fantasque du Silence des agneaux voit une psychologue (Jennifer Lopez, à l'époque où elle était avant tout actrice) plonger dans l'esprit tordu d'un tueur en série (un Vincent D'Onofrio méconnaissable) via une technologie expérimentale qui permet d'insérer la conscience d'une personne dans le subconscient d'une autre. Présageant des goûts d'Inception, The Cell est parfois étonnamment imaginatif, un festin visuel qui rappelle les fixations de Clive Barker sur la grandiosité et le sadomasochisme, alors que Lopez se heurte à la projection mentale du tueur, qui s'habille et se comporte comme un dieu-roi omnipotent dans un monde de rêve tordu comme quelque chose de HP Lovecraft. Non poli et parfois auto-satisfait, il faut encore admirer son chutzpah. Si l'un de ces films devait être refait sous la forme d'un épisode de Black Mirror en 2018, ce serait probablement celui-ci. —Jim Vorel

35. TenebraeAnnée : 1982 Réalisateur : Dario Argento

Si vous écriviez un livre d'horreur ultra-violet, et si votre livre d'horreur ultra-violent inspirait un psychopathe de tous les jours à se lancer dans sa propre tuerie ultra-violente, seriez-vous découragé ou le prendriez-vous comme un compliment ? Ce n'est peut-être pas la question que Dario Argento pose dans son célèbre film de giallo Tenebrae de 1982, mais l'intrigue rappelle un certain vieux proverbe sur l'imitation et la flatterie : l'auteur américain Peter Neal (Anthony Franciosa) se rend en Italie pour promouvoir son nouveau livre et découvre qu'il y a un tueur en série en liberté, enhardi par la bibliographie de Neal et assassinant des Romains en son nom. Ça doit être plutôt agréable pour Neal, mais pas tant pour les victimes du tueur. Le gars n'est pas exactement dans l'efficacité; il préfère faire souffrir sa proie, ce qui ne devrait pas surprendre compte tenu de la source de Tenebrae. (Argento n'est pas non plus dans l'efficacité. Il tuera des gens avec des stocks aléatoires de fil de rasoir s'il en a envie.)

Tenebrae, plus que les autres films d'Argento, est difficile à regarder; c'est une affaire particulièrement sanglante, mais sa valeur artistique exige qu'on la considère comme un cinéma essentiel. Le film met en scène des geysers artériels pour tremper ses décors dans le cramoisi aussi souvent qu'il admet les propres indulgences tordues d'Argento en tant que cinéaste. Il ouvre le film avec une narration sur la recherche de la liberté en prenant la vie, pour l'amour du Christ. Vous le comprendrez. Ce n'est pas qu'Argento tolère le meurtre ou quoi que ce soit d'aussi fou que ça ; c'est plutôt qu'il est prêt à avouer sa fixation sans espoir sur la représentation du meurtre à l'écran. Quand tu es aussi doué pour ce genre de chose qu'Argento, quelle personne raisonnable peut t'en vouloir ? —Andy Crump

34. FrénésieAnnée : 1972 Réalisateur : Alfred Hitchcock

L'avant-dernier (et sans doute le dernier grand) film d'Hitchcock est aussi son plus macabre. Alors que les censeurs de films devenaient un peu plus détendus dans les années 1970, Hitchcock a été autorisé à montrer plus de violence et même un peu de nudité. Il est encore apprivoisé selon les normes d'aujourd'hui, mais l'histoire d'un tueur en série londonien qui viole et étrangle ses victimes féminines avec une cravate est le maître du suspense à son plus graphique, tout en conservant le complot typiquement sinueux et tournant auquel vous vous attendez. —Bonnie Stiernberg

33. Noël noirAnnée : 1974 Réalisateur : Bob Clark

Fait amusant : neuf ans avant de réaliser le classique des Fêtes A Christmas Story, Bob Clark a créé le premier véritable « film slasher » inattaquable dans Black Christmas. Oui, la même personne qui a donné à TBS son marathon annuel de la veille de Noël était également responsable de la première application cinématographique majeure de la phrase "Les appels viennent de l'intérieur de la maison!" Noël noir, qui a été refait insipidement en 2006, est antérieur de quatre ans à Halloween de John Carpenter et présente bon nombre des mêmes éléments, en particulier visuellement. Comme Halloween, il s'attarde fortement sur les plans POV des yeux du tueur alors qu'il rôde dans une maison de sororité faiblement éclairée et espionne ses futures victimes. Alors que le tueur mentalement dérangé appelle la maison et s'engage dans des appels téléphoniques obscènes avec les résidentes, on ne peut s'empêcher de se rappeler la scène du film de Carpenter où Laurie (Jamie Lee Curtis) appelle son amie Lynda, seulement pour l'entendre étranglée avec le cordon téléphonique. Black Christmas joue également un rôle déterminant, et pratiquement archétypal, dans la consolidation du trope slasher de la soi-disant «fille finale». Jessica Bradford (Olivia Hussey) est en fait parmi les mieux réalisées de ces dernières filles de l'histoire du genre, une jeune femme remarquablement forte et ingénieuse qui peut prendre soin d'elle-même dans ses relations et ses scénarios mortels. On peut se demander combien de slashers ultérieurs ont pu créer des protagonistes qui sont une combinaison aussi crédible de capable et de réaliste. —Jim Vorel

32. Parfum : L'histoire d'un meurtrierAnnée : 2006 Réalisateur : Tom Tykwer

Un orphelin doté d'un odorat surhumain fait la découverte surprenante qu'il n'a pas d'odeur propre, et sa quête du parfum ultime prend une tournure très sombre. Adapté du roman Parfum de Patrick Susskind et se déroulant dans la France du XVIIIe siècle, Parfum : l'histoire d'un meurtrier met en vedette Ben Whishaw dans le rôle de Jean-Baptiste Grenouille, un malheureux gamin vendu à un tanneur mais qui réussit à devenir apprenti parfumeur. Le parfumeur (Dustin Hoffman) l'envoie finalement chez les maîtres parfumeurs de Grasse, en France, pour apprendre l'enfleurage, l'art d'extraire des essences en les enrobant de graisse. Jean-Baptiste n'est pas intéressé par le jasmin et la lavande, cependant. Il veut distiller et reproduire l'essence des gens, en particulier les belles vierges. Alors naturellement, il se lance dans un déchaînement de meurtres pour capturer des parfums personnels. En fin de compte, il est attrapé et prévu pour une exécution très macabre, mais il a caché le parfum qu'il a concocté aux femmes qu'il a tuées et s'en couvre, ce qui fait que tout le monde déclare qu'il est innocent, et peut-être un ange, provoquant une frénésie dans laquelle les citadins le dévorent.

Réalisé par Tom Tykwer, le film a reçu des réponses mitigées de la part des critiques, avec le consensus général selon lequel son excellente cinématographie était minée par un scénario moins que stellaire. (Même Alan Rickman, en tant que riche Antoine Richis, père de la victime finale, ne pouvait parfois pas sembler 100% convaincant.) Les fans du roman pourraient trouver les déviations du film ennuyeuses, et il est profondément difficile d'évoquer avec succès le sens de l'odorat sur le film. Cependant, tout connaisseur de films de tueurs en série devrait avoir celui-ci à son actif, si ce n'est que pour le concept élevé inhabituel et légèrement magique. Sous l'écriture inégale, il y a un questionnement philosophique assez profond sur la nature de «l'essence» ou de l'âme humaine, et sur ce que ce serait d'être sans elle. —Amy Glynn

31. ManhunterAnnée : 1986 Réalisateur : Michael Mann

Reçu à l'époque avec des critiques mitigées, son allure hyper-esthétisée étonnamment un peu trop au goût du public au milieu des années 80, Manhunter plus de 30 ans plus tard représente (peut-être ironiquement) ce que le milieu des années 80 ressentait pour ceux qui ne s'en souvenaient pas très bien concrètement. En d'autres termes, c'est un film décollé dans le temps, un produit d'une décennie révolue mais tellement surréaliste et imprégné de symbolisme et superbement manucuré qu'il semble cacher des générations de terreur à l'intérieur. La première des nombreuses adaptations des romans de Thomas Harris, Manhunter a conçu le modèle et défini les enjeux extrêmement sérieux pour chaque itération à suivre, amarrant des images oniriques à une procédure policière minutieuse, tentant de dépeindre l'expérience émotionnelle déchirante d'être un profileur du FBI sans jamais lésiner sur le mélodrame.

Pendant tout ce temps, Mann dessine de grandes lignes abstruses autour du tueur en série au cœur du film - une embardée laconique d'un homme, Francis Dollarhyde (Tom Noonan), le soi-disant "Fée des dents" - qui habite chaque scène avec la promesse inquiétante qu'il est une personne dont la réalité est une illusion fragile. Brian Cox hante les marges du film, le premier acteur à habiter Hannibal Lecktor (pour une raison quelconque, d'abord orthographié de cette façon), la manifestation de l'Id de l'agent Will Graham (William Peterson), un repoussoir pour le "bon gars" et un psychopathe dont le manque d'empathie rend tout le sens intuitif du cadrage de Mann plus austère. Encouragé par la volonté de DP Dante Spinotti de traiter la couleur comme s'il allumait un giallo autant qu'un thriller policier à l'esprit vice de Miami, dans Manhunter Mann a trouvé un équilibre en début de carrière entre les minuties granuleuses du travail de police d'investigation et la violence abstraite et cérébrale des enquêtes elles-mêmes. Dollarhyde ne veut qu'être recherché, alors il tue pour être vraiment "vu" par ses victimes, ce qui, dans son esprit, le transforme en quelque chose de puissant. Manhunter agit à peu près de la même manière, devenant plus fort au fur et à mesure que vous le regardez. —Dom Sinacola

30. Deep RedAnnée : 1975 Réalisateur : Dario Argento

Les films de Dario Argento seraient faciles à repérer dans une programmation policière, car lorsque vous ajoutez toutes ses petites bizarreries, ils forment un style instantanément emblématique. Deep Red est l'un de ces films qui n'auraient tout simplement pas pu être réalisés par quelqu'un d'autre – Mario Bava aurait pu essayer, mais le sien n'aurait pas la bande originale par excellence des collaborateurs d'Argento Goblin, ni le travail de caméra à la dérive et excentrique qui nous fait constamment nous demander si nous regardons à travers le POV du tueur ou non. Et l'histoire est un polar giallo classique : Suite au clivage brutal d'une voyante allemande (Macha Méril), un professeur de musique (David Hemmings) qui vit dans son immeuble commence à assembler les pièces pour résoudre le mystère du meurtre, découvrant une histoire familiale tragique. En cours de route, quiconque s'approche de la réponse reçoit un couperet à viande à la tête d'un mystérieux assaillant portant des gants de cuir noir, à l'exception de ceux qui meurent de manière bien pire et plus horrible. Argento a un vrai œil pour ce qui est physiquement déconcertant à regarder - il prend en quelque sorte des scènes "standard" pour le genre d'horreur et les rend beaucoup plus inconfortables qu'on ne le pense en lisant simplement une description de la séquence. Entre les mains d'Argento, un couteau tranchant devient un pinceau. —Jim Vorel

29. CreepAnnée : 2014 Réalisateur : Patrick Brice

Creep est un film d'horreur indépendant quelque peu prévisible mais joyeusement dément, le premier film de Patrick Brice, qui a également sorti The Overnight en 2015. Mettant en vedette le toujours prolifique Mark Duplass, il s'agit d'une étude de personnage de deux hommes : un vidéaste naïf (joué par Brice) et un reclus pas si secrètement psychotique (Duplass), ce dernier engageant le premier à venir documenter sa vie dans une cabane dans les bois. Le film trouvé à deux mains s'appuie entièrement sur ses performances, qui sont excellentes, les premiers allers-retours entre la paire crépitant avec une sorte d'intensité maladroite. Duplass, qui peut être charmant et fou dans quelque chose comme Safety Not Guaranteed, brille ici comme le fou dérangé qui s'impose dans la vie du protagoniste et hante chacun de ses instants de veille. Tous les connaisseurs du genre verront sans aucun doute où cela se passe, mais c'est toujours un tour bien conçu qui réussit grâce à la chimie entre ses deux principaux protagonistes d'une manière qui me rappelle les scènes entre Domhnall Gleeson et Oscar Isaac dans Ex Machina. —Jim Vorel

28. Blood and Black Lace Année : 1964 Réalisateur : Mario Bava

Vous pouvez créditer des films tels que Psycho ou Peeping Tom pour avoir jeté les bases du genre slasher, et Noël noir de 1974 pour avoir réuni tous les éléments dans ce qui est indéniablement un "film slasher", mais le giallo fondateur de Mario Bava en 1964 est si proche qu'il mérite presque ce titre de premier "vrai" slasher à presque tous les égards. Blood and Black Lace est un film absolument magnifique et somptueux qu'il vaut mieux voir sur grand écran, si vous le pouvez, avec des éclaboussures dramatiques de couleurs primaires utilisées pour un impact maximal. L'histoire est un mélange de mystère de meurtre sombrement comique et d'exploitation teintée de titillation, mettant en vedette un groupe de modèles féminins traqués par un mystérieux assaillant dont le visage est couvert d'un masque de bas impénétrable avec des traits vierges - un tueur qui ressemble à toutes fins utiles comme le personnage de DC Comics La question. C'est une image immédiatement emblématique qui a gravé son empreinte dans tout un genre italien, et les tueurs suivants refléteraient tant de caractéristiques du tueur de ce film, des gants noirs et du long manteau au masque lui-même. Bien que beaucoup aient essayé de reproduire ses visuels, très peu pouvaient égaler la décadence et le sens de l'excès luxueux (et mortel) que Bava capture dans Blood and Black Lace. —Jim Vorel

27. The Element of CrimeAnnée : 1984 Réalisateur : Lars Von Trier

Alors que Lars von Trier s'entraînait à la première école de cinéma de Copenhague, son petit esprit tordu a fait ses débuts de bon augure avec L'élément du crime en 1984. Même avant Dogme 95, dans lequel il a établi un tas de règles uniquement pour les enfreindre avec regret, les préoccupations de von Trier étaient subversives dès le départ. Cette exploration néo-noire sur la culpabilité et l'obsession a jeté les bases de films comme Europa, au ton somnambulatoire délicat, et même de films aussi avancés que Nymphomaniac, dans lequel il revenait tester les limites du désir et de la destruction entre hommes et femmes. Dans The Element of Crime, sa vision post-apocalyptique de l'Europe (partie de sa trilogie "Disintegration of Europe"), un ancien flic/détective ex-pat actuel, Fisher (Michael Elphick), se souvient de sa dernière affaire, concernant un tueur en série qui a étranglé, violé et mutilé des jeunes filles. Aussi influencé par Blade Runner que par Kafka, von Trier raconte une histoire classique d'annihilation spirituelle par voie d'imitation : Fisher utilise un livre intitulé The Element of Crime pour s'identifier au tueur et, par conséquent, commence à se voir fusionner avec le coupable insaisissable. Von Trier poussait des boutons dès la sortie de la porte, sa palette peinte à l'urine et criarde, et ses obsessions provocantes. Avec son premier long métrage, le réalisateur danois s'est sciemment imposé comme un enfant terrible incomparable. — Kyle Turner

26. La mauvaise graineAnnée : 1956 Réalisateur : Mervyn LeRoy

The Bad Seed est l'un des portraits américains les plus dérangeants de pure psychopathie ou sociopathie, venant de la source la moins suspecte de toutes : une fillette de 8 ans. Les yeux perçants de la petite blonde Rhoda (Patty McCormack) à queue de cochon sont terrifiants à voir, d'autant plus une fois que nous commençons à soupçonner ce qui se cache derrière sa façade. La capacité de Rhoda à fonctionner et à cacher sa vraie personnalité avec une ruse rusée prédit des personnages comme Patrick Bateman ou Henry dans Henry: Portrait d'un tueur en série, mais la facilité apparente avec laquelle elle le fait est particulièrement troublante. Il ne pourrait y avoir de We Need to Talk About Kevin sans The Bad Seed pour poser la question : Quelle est la nature du mal inné ? La menace et le regard pur et inflexible sur la cruauté humaine dans The Bad Seed est vraiment unique pour son époque, la performance du jeune McCormack se classant parmi les plus grands de tous les temps pour les enfants dans un film d'horreur. The Bad Seed parle des horreurs de la responsabilité en tant que parent, quand vous savez que quelque chose doit être fait mais que le fait de le faire est quelque chose que le monde ne pourra jamais comprendre. C'est un film qui peut vous éloigner des nattes pour la vie. —Jim Vorel

25. Man Bites DogYear: 1992 Directors: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Ancêtre indéniable de Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon, Man Bites Dog a remporté le prix international de la critique au Festival de Cannes 1992, pour recevoir une note NC-17 lors de sa sortie aux États-Unis, totalement interdite en Suède. On peut comprendre la délicatesse: Man Bites Dog dépeint sans broncher le meurtre en série dans sa banalité graphique, les victimes allant des enfants aux personnes âgées en passant par une femme victime d'un viol collectif dont le cadavre est ensuite photographié avec ses entrailles renversées partout sur la table sur laquelle elle a été violée, les auteurs allongés après les réjouissances ivres, entassés sur le sol. Filmé comme un faux documentaire, Man Bites Dog se donne beaucoup de mal pour dépeindre les exigences du meurtre aussi bas que possible, incorporant la réticence de l'équipe de tournage de telles horreurs à offrir au public un reflet de la façon dont ils réagissaient probablement. Le chagrin fasciné exprimé par le réalisateur du film documentaire (Rémy Belvaux) alors qu'il réalise ce que signifie réellement faire un film documentaire sur un tueur en série, devenant de plus en plus complice des meurtres au fil du film, indique explicitement notre volonté en tant que spectateurs d'endurer les horreurs affichées. Pourtant, nous réagissons viscéralement alors que le film explore les thèmes conceptuels du vrai crime en tant que marchandise de la culture pop et de la télé-réalité en tant qu'atténuation préjudiciable de la vérité, inculpant finalement les téléspectateurs susceptibles d'apprécier ce film tout en les satisfaisant simultanément. Benoit (Benoît Poelvoorde), le sujet du faux film, est bien sûr un paria sociétal incroyablement intelligent assailli par la xénophobie et la misogynie, offrant d'innombrables névroses à explorer derrière sa psychopathie et son meurtre en série, qu'il traite comme un travail légitime. Mais Man Bites Dog concerne davantage la manière dont nous consommons un film comme Man Bites Dog, moins préoccupé par le meurtre flagrant auquel il se livre pour rire que par les rires eux-mêmes, ce qui implique que le vrai blâme pour une horreur aussi connue tombe à nos pieds, dans lequel chaque jour nous prenons de grandes mesures de base pour normaliser la violence et la haine qui nous entourent constamment. —Dom Sinacola

24. American PsychoAnnée : 2000 Réalisatrice : Mary Harron

Il y a quelque chose qui ne va pas avec Patrick Bateman (Christian Bale)—vraiment faux. Bien qu'il se torde dans une énigme de ce qui est un rêve à la Christopher Nolan, Bateman est juste un mal total, exprimant de manière flagrante à quel point il est fou, malheureusement à des oreilles indifférentes ou incompréhensives, parce que le monde dans lequel il vit est tout aussi faux, sinon plus. De plus, le banquier toxicomane a tendance à faire preuve de créativité avec ses armes mortelles. (Pistolet à clous, n'importe qui ?) Comme si quelqu'un avait besoin d'une autre raison pour détester les riches cols blancs de Manhattan : l'adaptation par Mar Harron de Bret Easton Ellis est un portrait scintillant de l'absence d'âme des entreprises et de la richesse dédaigneuse. —Darren Orf

23. FrailtyAnnée : 2001 Réalisateur : Bill Paxton

La fragilité est effrayante de la même manière que Take Shelter de Jeff Nichols est si troublant: ils parlent tous les deux de pères qui deviennent possédés par l'idée qu'ils ont une mission dans la vie, un commandement secret d'en haut qui peut ou non être dû à l'apparition lente de la maladie mentale. Le regretté Bill Paxton a écrit et joué dans ce projet passionné, se donnant l'un des meilleurs rôles de sa carrière en tant que père désintégrant qui en est venu à croire qu'il vit dans un monde entouré de "démons" que Dieu lui a ordonné d'éradiquer. Du point de vue de ses jeunes fils protagonistes, ils sont piégés dans une situation à la fois désespérée et terrifiante, entre leur père, une personnalité extraterrestre et inconnaissable leur ordonnant de l'aider à commettre des atrocités, et le fait que révéler son apparente folie au monde signifiera probablement le perdre à jamais. Matthew McConaughey se voit confier un rôle étonnamment juteux et méconnu en tant que l'un des frères adultes qui a accepté sa mauvaise enfance, mais Paxton vole vraiment la vedette avec le genre d'énergie nerveuse qui rend impossible de dire ce qu'il va faire ensuite. Aussi : Préparez-vous pour une fin loufoque. —Jim Vorel

22. Yeux sans visageAnnée : 1960 Réalisateur : Georges Franju

Je me souviens avoir vu ma première performance d'Édith Scob en 2012, lorsque Holy Motors de Leos Carax a fait son chemin vers les côtes américaines et a fait fondre mon cerveau de pois. Je me souviens aussi que Scob a enfilé un masque en écume de mer, tout aussi vide et sans expression que celui de Michael Myers, à la fin du film, et s'est dit: "Oh, ça jouerait comme des gangbusters dans un film d'horreur."

Quel idiot j'étais : Au moment de mon visionnage de Holy Motors, Scob était déjà apparu dans ce film d'horreur, Les Yeux sans visage de Georges Franju, un film glacial, poétique et pourtant fait avec amour sur une femme et son père savant fou/tueur en série qui veut juste kidnapper des jeunes femmes qui partagent ses traits du visage dans l'espoir de greffer leur peau sur sa propre tasse défigurée. (C'est là le matériel du père de l'année.) Bien sûr, rien ne se passe bien dans le récit du film, et le tout se termine par des larmes et une frénésie de soif de sang canine. Eyes Without a Face est joué dans le bon registre d'énervant, de pervers et d'intime comme les contes d'horreur pulpeux les plus durables ont tendance à être. Si Franju obtient l'essentiel du crédit pour cela, économisez au moins une partie pour Scob, dont les yeux sont le meilleur effet spécial du répertoire du film. C'est une performance qui vient tout droit de l'âme. —Andy Crump

21. Henry : Portrait of a Serial KillerAnnée : 1986 Réalisateur : John McNaughton

Henry met en vedette Merle lui-même, Michael Rooker, dans un film qui est essentiellement destiné à se rapprocher de la vie du tueur en série Henry Lee Lucas, avec son acolyte dément Otis Toole (Tom Towles). Le film a été tourné et se déroule à Chicago avec un budget de seulement 100 000 $ et est un voyage dépravé dans les profondeurs de l'obscurité capable d'infecter l'âme humaine. Cela ressemble probablement à une hyperbole, mais Henry est vraiment un film moche - vous vous sentez sale rien qu'en le regardant, des rues urbaines crasseuses aux personnages extrêmement peu aimables qui s'attaquent aux prostituées locales. Ce n'est pas une montre facile, mais si le vrai crime graveleux est votre truc, c'est un incontournable. Certaines des séquences, telles que la "vidéo personnelle" tournée par Henry et Otis alors qu'ils torturent toute une famille, ont donné au film une réputation notoire, même parmi les fans d'horreur, en tant que regard implacable sur la nature d'un mal banal dérangeant. —Jim Vorel

20. ScreamAnnée : 1996 Réalisateur : Wes Craven

Avant que Scary Movie ou A Haunted House ne soient même des idées mal conçues, Wes Craven fabriquait certaines des meilleures satires d'horreur du moment. Bien qu'une partie du charme de Scream résidait dans ses coups sournois et équitables sur le genre, cela n'a pas empêché le réalisateur d'imaginer certaines des scènes les plus brutales de couteau sur humain dans les années 90. Avec la naissance du tueur "Ghost Face", Craven a emmené le public dans un voyage à travers le fandom de films d'horreur, faisant des trucs trop courants du métier un incontournable pour la survie : le sexe équivaut à la mort, ne buvez pas et ne vous droguez pas, ne dites jamais "je reviens tout de suite". Avec un casting croisé de Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Matthew Lillard, Rose McGowan et Drew Barrymore (OK, elle n'est que dans l'ouverture, mais quand même), Scream est arrivé avec une vision incisive d'un lot de films fatigués. Ce n'était pas le premier du genre, mais c'était le premier à être adopté par un large public, ce qui a grandement contribué à élever le QI du genre du fan d'horreur en plein essor. —Tyler Kane

19. J'ai vu le diableAnnée : 2010 Réalisateur : Kim Jee-woon

I Saw the Devil est un chef-d'œuvre sud-coréen de brutalité du réalisateur Kim Ji-woon, qui était également à l'origine du plus grand film d'horreur sud-coréen, A Tale of Two Sisters. C'est un film vraiment choquant, qui suit un homme voulant se venger à tout prix après le meurtre de sa femme par un psychopathe. On suit alors que le "protagoniste" du film s'amuse à chasser ledit psychopathe, incrustant un tracker dans le tueur qui lui permet d'apparaître à plusieurs reprises, de le battre jusqu'à l'inconscience puis de le relâcher à nouveau pour de nouvelles tortures. C'est un film sur la nature de la vengeance et de l'obsession, et s'il y a vraiment une valeur à rembourser un terrible tort. Si vous êtes toujours sur la clôture, sachez que Choi Min-sik, la star de Oldboy original de Park Chan-Wook, joue le rôle du tueur en série traqué et réalise une autre performance stellaire. Ce n'est pas un "film d'horreur" traditionnel, mais c'est l'un des plus horribles de la liste, à la fois en termes d'imagerie et d'impact émotionnel. —Jim Vorel

18. Memories of MurderAnnée : 2003 Réalisateur : Bong Joon-Ho

Basé sur le cas du premier tueur en série de Corée du Sud, voici le point de vue de Bong Joon-Ho sur le drame policier. La tension provient du choc des styles entre un détective de la campagne (Song Kang-Ho) et son homologue urbain (Kim Sang-Kyung) dépêché pour accélérer l'enquête, qui déraille régulièrement au milieu d'opportunités manquées et d'arrestations injustifiées. L'un utilise ses poings, l'autre la médecine légale, et les deux servent d'archétypes culturels dont les actions se déroulent dans le contexte de la dictature militaire du milieu des années 1980. Aussi étrange que cela puisse paraître, Murder n'est pas non plus sans rires, à la fois grossiers et perçants. —Steve Dollar

17. L'année de la disparition : 1988 Réalisateur : George Sluizer

Vous êtes-vous déjà demandé ce qui fait trembler un cerveau comme Stanley Kubrick dans ses bottes ? La réponse est The Vanishing, qui était apparemment le film le plus "terrifiant" qu'il ait jamais vu (et ce, venant du gars qui a fait The Shining). En fait, ce qui rend ce thriller si énervant, c'est qu'il est raconté à l'envers : au lieu de passer deux heures à essayer de découvrir l'identité du méchant, on nous le présente tout de suite. Basé sur le livre de Tim Krabbé The Golden Egg (Het Gouden Ei), le film raconte l'histoire de Raymond (Bernard-Pierre Donnadieu), un sociopathe auto-diagnostiqué essayant de se soumettre à l'épreuve ultime. Ayant sauvé une jeune fille de la noyade et célébré comme un héros par ses filles, il veut savoir si son acte de gentillesse peut être suivi d'un acte maléfique tout aussi impressionnant. Comme le film permet à Raymond, au fil du temps, d'enquêter sur la frontière entre sociopathie et psychopathie, il passe des heures à planifier méticuleusement la meilleure façon de procéder pour enlever une femme, plutôt que d'en sauver une. Il expérimente le chloroforme, achète une maison isolée et pratique différentes manières de faire monter dans sa voiture des femmes qui ne le savent pas. Sluizer a ensuite refait son propre film pour le public américain, avec Jeff Bridges et Kiefer Sutherland, mais sa fin a été radicalement modifiée. —Roxanne Sancto

16. OperaAnnée : 1987 Réalisateur : Dario Argento

Giallo n'est pas le genre de genre dans lequel les réalisateurs finissent par recevoir beaucoup d'aplomb critique… à l'exception occasionnelle de Dario Argento. Il est au sanglant précurseur italien des films de slasher comme, disons, quelqu'un comme Clive Barker l'est aux horreurs de langue anglaise : un auteur prêt à prendre des risques, dont les œuvres criardes sont parfois brillantes mais tombent tout aussi souvent à plat. Opera, cependant, est l'un des films les plus purement regardables d'Argento, sur une jeune actrice qui semble avoir développé un admirateur plutôt meurtrier, car quiconque se met en travers de sa carrière a une drôle de façon de finir mort. Pendant ce temps, ses cauchemars constants font allusion à un lien enfoui depuis longtemps avec le tueur. Essentiellement l'équivalent giallo de Phantom of the Opera, la toile d'Opera est éclaboussée par la palette de couleurs signature d'Argento, composée de tons vifs et sinistres et de morts exagérées, mêlée à un sous-texte intéressant sur la nature du visionnage de films d'horreur, car l'héroïne est souvent forcée par le tueur à assister au déroulement des crimes. Comme même le pire d'Argento, Opera est une étude de classe de maître dans l'artisanat. —Jim Vorel

15. HalloweenAnnée : 1978 Réalisateur : John Carpenter

Pour les étudiants de la filmographie de John Carpenter, il est intéressant de noter que Halloween est en fait un film nettement moins ambitieux que son précédent Assault on Precinct 13 à presque tous les niveaux mesurables. Il n'a pas la distribution importante d'extras, ni le travail considérable d'effets spéciaux et de cascades. Il n'est pas rempli de séquences d'action. Mais ce que cela nous donne, c'est la première distillation complète du film slasher américain et une bonne dose d'atmosphère. Carpenter s'est appuyé sur des proto-slashers antérieurs tels que Noël noir de Bob Clark pour écrire la légende de Michael Myers, un fantôme imparable qui retourne dans sa ville natale le soir d'Halloween pour traquer les lycéennes (le titre original était en fait The Babysitter Murders, si vous n'avez pas entendu cette anecdote en particulier auparavant). Carpenter utilise fortement des outils qui deviendraient synonymes de slashers, tels que la perspective POV du tueur, faisant de Myers une sorte de voyeur (il s'appelle simplement "The Shape" dans le générique) qui se cache silencieusement dans l'obscurité avec une patience inhumaine avant de finalement faire son mouvement. C'est un film maigre et méchant avec une caractérisation absurde dans sa première moitié (en particulier de la part du ditzy PJ Soles, qui ne peut s'empêcher de dire "totalement") qui se transforme ensuite en un crescendo claustrophobe de tension lorsque Laurie Strode de Jamie Lee Curtis entre en contact avec Myers pour la première fois. Le grand Donald Pleasance en tant que Dr Loomis, l'homme de battage personnel / Achab du tueur, dont le seul but dans le scénario est de communiquer au public avec une hyperbole écumeuse à quel point ce Michael Myers est vraiment un monstre, est absolument indispensable à tout cela. On ne saurait trop insister sur l'importance de Pleasance pour faire de ce film la pierre de touche culturelle qui inspirerait le boom des slashers du début des années 80. —Jim Vorel

14. Arsenic and Old LaceAnnée : 1944 Réalisateur : Frank Capra

L'adaptation de Frank Capra de cette pièce sombre et comique de Broadway (certains des acteurs de Broadway ont repris leurs rôles dans le film) met en vedette Cary Grant dans le rôle de Mortimer Brewster, l'un des membres d'une famille de types WASP Bluestocking de Mayflower qui sont devenus, au fil des générations, je pense que l'expression est "criminellement folle" ? Brewster, auteur de nombreux ouvrages sur la bêtise du mariage, se marie. À la veille de la lune de miel, il passe chez sa famille pour s'enregistrer avec ses tantes loufoques et gentiment meurtrières (Josephine Hull et Jean Adair), un frère charmant et délirant (John Alexander) qui croit qu'il est Theodore Roosevelt, et un autre frère, Jonathan (Raymond Massey), qui a des corps à enterrer et un chirurgien plasticien alcoolique complètement fou. Peter Lorre joue le chirurgien, qui a modifié le visage de Jonathan pour le faire ressembler à Boris Karloff (naturellement). Et ce n'est que la configuration. Plus de sept décennies après sa sortie, ce film est toujours drôle, même s'il est apprivoisé et un peu martelé selon les normes contemporaines. L'endurance de ce film témoigne à la fois du scénario merveilleux et de la magie de Frank Capra avec une écurie d'acteurs comiques talentueux à sa disposition (et non au sens des "corps au sous-sol"). —Amy Glynn

13. Behind the Mask : The Rise of Leslie VernonAnnée : 2006 Réalisateur : Scott Glosserman

Dans les années qui ont suivi Scream, il n'y avait pas de pénurie de films tentant des déconstructions similaires du genre d'horreur, mais peu méritent d'être mentionnés dans le même souffle que le criminel sous-vu Derrière le masque. Se déroulant dans un monde où des tueurs surnaturels tels que Jason Voorhees et Freddy Krueger existaient réellement, ce faux documentaire suit un gars nommé Leslie Vernon (Nathan Baesel), qui rêve d'être le "prochain grand tueur psychopathe". Ce faisant, il fournit des réponses et un aperçu de dizaines de tropes et de clichés de films d'horreur, tels que : Comment le tueur s'entraîne-t-il ? Comment choisit-il ses victimes ? Comment peut-il apparemment être à deux endroits à la fois ? C'est une lettre d'amour brillante et tordue au genre qui développe également un changement stylistique inattendu juste au moment où vous pensez savoir où les choses vont. Et, malgré un manque de puissance de star, Behind the Mask propose des tonnes de camées de sommités de l'horreur : Robert Englund, Kane Hodder, Zelda Rubinstein et même Scott Wilson de The Walking Dead. Tous, et je veux dire tous les fans d'horreur doivent voir Behind the Mask. C'est criminel que Glosserman n'ait jamais réussi à mettre en place un suivi de suite approprié, mais une série de bandes dessinées financée par des fans a augmenté deux fois son objectif sur IndieGoGo, alors c'est peut-être encore possible. —Jim Vorel

12. The Honeymoon KillersAnnée : 1969 Réalisateur : Leonard Kastle

Dans un film qui a agi comme une sorte d'antécédent spirituel à la sensibilité de John Waters, Badlands de Terrence Malick et les films d'exploitation des années 70, Leonard Kastle offre la grandeur avec The Honeymoon Killers. Tourné avec un soin absolu - dans un style authentique, sans craindre de montrer des détails horribles - et une merveilleuse attention aux détails au milieu de cadres longs et persistants, cela marque la seule incursion dans la réalisation pour Kastle, un artiste qui sait que le plus de pouvoir peut être détenu dans ce qu'il ne montre pas. Le sens de l'éclairage de Kastle est l'une des forces du film, sans parler des performances plutôt excellentes de Shirley Stoler et Tony Lo Bianco, jouant le vrai couple de Martha Beck et Ray Fernandez, dont l'histoire se déroule de plus en plus à travers chaque acte de grotesque et d'horreur, leurs querelles tout au long de l'un des moments forts de ce classique de choc à petit budget. —Nelson Maddaloni

11. MonstreAnnée : 2004 Réalisateur : Patty Jenkins

La transformation de Charlize Theron en tueuse en série notoire Aileen Wuornos dans le drame déchirant de Patty Jenkins va au-delà du fait qu'elle devienne carrément méconnaissable dans le rôle. (Roger Ebert ne savait pas que c'était elle dans le rôle lorsqu'il a vu Monster pour la première fois). Tout ce que nous savions auparavant sur la personnalité et le comportement de Theron en tant que star de cinéma, elle se déshabille complètement pour incarner cette figure extrêmement troublante, mais intrinsèquement tragique. Theron est complètement immergée dans son personnage. Chaque regard, chaque geste de la main et chaque tic-tac physique semblent être ceux de Wuornos. Il n'y a pas un seul moment dans le film où l'actrice jette un coup d'œil derrière ces yeux. Charlize Theron a capturé quelque chose d'essentiel et de magique (bien que très dérangeant) - Oktay Ege Kozak et Tim Regan-Porter

10. Le Cabinet du Dr CaligariAnnée : 1920 Réalisateur : Robert Wiene

Œuvre par excellence de l'expressionnisme allemand, Le Cabinet du Dr Caligari a été décrit par Roger Ebert comme le "premier vrai film d'horreur", bien qu'il soit naturellement peu probable qu'un visionnage moderne provoque des frissons. Pourtant, dans la même veine que Nosferatu, la palette visuelle fantastique de Robert Wiene et Willy Hameister est instantanément emblématique : les bâtiments s'inclinent dans des angles impossibles et la lumière joue des tours étranges. Ces ombres sont-elles réelles ou peintes directement sur le décor ? L'histoire tourne autour d'un hypnotiseur fou (Werner Krauss) qui utilise un somnambule troublé (Conrad Veidt) comme assassin personnel, le forçant à exterminer ses ennemis la nuit. Les conceptions étonnamment créatives et libres d'esprit du film ont eu une influence indélébile sur tous les paysages fantastiques représentés au cours des près de 100 ans qui se sont écoulés depuis. Vous ne pouvez tout simplement pas revendiquer une appréciation des racines du cinéma sans voir le film. —Jim Vorel

9. Se7enRéalisateur : David Fincher Année : 1995

Il est difficile de penser à un film qui a causé plus de dommages à court terme à la longueur de vos ongles dans les années 90 que Se7en de David Fincher. Collant près des détectives David Mills (Brad Pitt) et William Somerset (Morgan Freeman), presque à la retraite, sur la piste de John Doe, un meurtrier qui planifie ses meurtres autour des sept péchés capitaux, le film nous permet de regarder Somerset enseigner à Mills encore naïf des leçons de vie précieuses autour de l'affaire, qui a des résultats moralement chargés destinés aux victimes qui incluent un homme glouton et un avocat avide. Pour toutes les scènes de crime inquiétantes considérées, Se7en n'est jamais aussi imprévisible ou émotionnellement épuisant que dans sa tristement célèbre finale, dans laquelle Mills et Somerset découvrent "ce qu'il y a dans la boîte" après avoir capturé leur homme. —Tyler Kane

8. Le massacre à la tronçonneuse du TexasAnnée : 1974 Réalisateur : Tobe Hooper

L'un des films d'horreur grand public les plus brutaux jamais sortis, The Texas Chain Saw Massacre, basé sur le tueur en série notoire du Wisconsin Ed Gein, ressemble à une vérité d'art et d'essai construite sur la physique granuleuse de son décor texan plat. De plus, il a présenté le superlativement sinistre Leatherface, l'emblématique géant brandissant une tronçonneuse d'un homme qui porte un masque en peau humaine, dont le sadisme bizarre n'est éclipsé que par l'introduction de sa famille cannibale avec qui il réside dans une maison délabrée au milieu de la nature sauvage du Texas, avalant ensemble la viande que Leatherface et ses frères récoltent, tandis que grand-père boit du sang et façonne des meubles à partir des os des victimes. Pourtant, The Texas Chain Saw Massacre n'est peut-être pas le film d'horreur le plus sanglant jamais réalisé, mais en tant que fouille imaginaire des angoisses souterraines d'une population rurale américaine post-Vietnam, c'est à peu près sans précédent. Twisté, sombre et beau à la fois, il caresse à travers une grande variété de tons et de techniques sans jamais perdre son intensité singulière. (Et il y a peu de scènes dans cette ère d'horreur avec une conception sonore plus dérangeante que celle où Leatherface tend une embuscade à un gars avec un seul coup de marteau terne à la tête avant de claquer la porte en métal derrière lui.) -Rachel Hass et Brent Ables

7. Année : 1931 Réalisateur : Fritz Lang

Il est assez étonnant de considérer que M était le premier film sonore du réalisateur allemand Fritz Lang, qui avait déjà apporté au public l'une des épopées muettes séminales sous la forme de Metropolis. Lang, un apprenant rapide, a immédiatement profité de la nouvelle technologie en créant un noyau sonore pour M et pour le personnage de l'enfant tueur en série Hans Beckert (Peter Lorre), dont le sifflement distinctif de "Dans la salle du roi de la montagne" est à la fois un motif effectivement macabre et un point majeur de l'intrigue. C'est le film qui a attiré l'attention d'Hollywood sur Peter Lorre, où il deviendra finalement un acteur de personnage classique: le lourd aux grands yeux et à la voix douce avec un air d'anxiété et de menace. Lang a cité M des années plus tard comme son film préféré grâce à son commentaire social ouvert d'esprit, en particulier dans la scène classique dans laquelle Beckert est capturé et traduit devant un tribunal kangourou de criminels. Plutôt que de se jeter derrière les accusateurs, Lang nous fait sentir pour le tueur d'enfants, qui raisonne astucieusement que sa propre incapacité à contrôler ses actions devrait susciter plus de sympathie que ceux qui ont activement choisi une vie de crime. « Qui sait ce que c'est que d'être moi ? demande-t-il au spectateur, et nous sommes contraints d'admettre notre inaptitude à vraiment juger. —Jim Vorel

6. Peeping TomAnnée : 1960 Réalisateur : Michael Powell

À un égard, Peeping Tom de Michael Powell est un film méticuleux, humain et réfléchi sur les mécanismes et les impulsions émotionnelles qui animent le processus de réalisation. Dans un autre, c'est un film slasher sur un tueur en série loufoque-cum-documentariste qui assassine des gens avec le trépied de son appareil photo. (Le trépied a un couteau dessus.) Fondamentalement, Peeping Tom est précisément aussi idiot ou aussi sérieux que vous vous souciez de le lire, bien qu'aussi absurde que puisse paraître la prémisse sur la page, le film est tout sauf à l'écran. En fait, cela a été considéré comme assez controversé pendant un certain temps - et selon la personne à qui vous demandez, cela peut encore l'être. Comprendre pourquoi ne prend pas beaucoup de poids; les films sur les femmes en péril ont un moyen de frapper les nerfs de leur public, et Peeping Tom pousse cette idée à l'extrême, donnant à sa liste de futures victimes peu de place pour respirer alors que Mark Lewis (Carl Boehm) se rapproche d'elles, capturant leur peur croissante de façon exponentielle de seconde en seconde alors qu'elles font face à la compréhension naissante de leur mort imminente. C'est un film difficile à regarder, comme le serait n'importe quel film sur un psychopathe ayant l'habitude de tuer brutalement des femmes, mais il est aussi approfondi, perspicace, impeccablement réalisé et brillamment réfléchi. —Andy Crump

5. BadlandsAnnée : 1973 Réalisateur : Terrence Malick

Pourquoi deux personnes apparemment normales se sont-elles lancées dans une tuerie à travers le pays, et qu'est-ce qui les rend si étonnamment différents de tous les autres films sur les tueurs en série en fuite? Ces deux grandes questions orientent le premier réalisateur Terrence Malick dans Badlands. Cela commence par la narration de Spacek en tant que Holly; toute sa trame de fond vient de ce premier monologue, à travers lequel on nous raconte que sa mère est morte d'une pneumonie et comment, après sa mort, "[son père] n'a jamais pu être consolé par le petit étranger qu'il a trouvé dans sa maison." Puis le film nous offre un montage d'images de cette petite ville du Texas avant de nous présenter Kit (Martin Sheen), qui travaille comme éboueur. Kit voit Holly faire tournoyer une matraque devant sa maison et leur destin est scellé. L'intrigue de base de Badlands a été tirée de la série de meurtres de Charles Starkweather avec sa petite amie en 1958, mais Malick n'utilise cette histoire que comme cadre lâche pour ses grandes questions sur la nature du mal et notre compulsion à regarder des films comme celui-ci. "Notre sens du passé est toujours déjà influencé par notre compréhension actuelle du monde (nous voyons le passé à travers le présent) ; et pourtant notre compréhension actuelle du monde est elle-même toujours déjà influencée et déterminée par le passé (nous voyons le présent à travers le passé)." La compréhension du théoricien Leland Poague de la "théorie de la réception" fournit un cadre idéal pour le premier long métrage de Terrence Malick en 1973. Il est impossible de voir Badlands en dehors des objectifs de son travail ultérieur, mais il est également impossible de voir son travail ultérieur en dehors des objectifs de Badlands. —Sean Gandert et David Roark

4. La nuit du chasseurRéalisateur : Charles Laughton Année : 1955

Film noir ou horreur, à quelle catégorie appartient Night of the Hunter de Charles Laughton ? Franchement, toutes ces chicanes sont inutiles. Le film s'intègre parfaitement sous l'une ou l'autre appellation, pour une chose : c'est une version hybride des deux. D'autre part, c'est un chef-d'œuvre, alors fiez-vous aux étiquettes. Night of the Hunter se cache dans l'ombre et se complaît dans la misogynie. Que vous l'ayez vu ou non, vous avez probablement l'image des jointures tatouées de Robert Mitchum imprimée dans votre cerveau grâce à l'osmose de la culture pop. Le révérend Harry Powell est tout à fait le méchant, un homme aussi prompt à déformer la vérité avec des mensonges enrobés de miel que Laughton à déformer la réalité par une perspective oblique, une utilisation troublante des ombres et de la lumière et une gamme vertigineuse de compositions de caméras qui font que la petite ville de Virginie-Occidentale se sent tout à fait d'un autre monde. —Andy Crump

3. ZodiacRéalisateur : David Fincher Année : 2007

Je déteste utiliser le mot "serpentant", car cela ressemble à une insulte, mais le thriller de David Fincher de 2007 serpente de la meilleure façon possible - c'est une histoire policière sur une chasse à un tueur en série qui se fraye un chemin dans et hors apparemment des centaines de milieux différents, augmentant la tension tout le temps. Jake Gyllenhaal est formidable en tant que Robert Graysmith, un détective amateur et la ligne du film, tandis que l'histoire se contente de lui révéler lentement ses indices et ses théories, laissant le spectateur, comme Graysmith, dans l'ambiguïté pendant de longues périodes, tout en se sentant toujours comme un brûleur au rythme rapide. Ce n'est pas le film le plus célèbre de Fincher, mais c'est absolument l'un des thrillers les plus sous-estimés depuis 2000. Il y a peu de scènes dans le cinéma moderne plus tendues que lorsque les enquêteurs interrogent pour la première fois l'acteur de personnage non annoncé John Carroll Lynch, dépeignant le principal suspect Arthur Leigh Allen, alors que sa façade commence lentement à s'éroder – du moins c'est ce que nous pensons. Le film témoigne de la douleur et de la frustration d'essayer de résoudre un mystère éphémère qui semble souvent hors de votre portée. — Shane Ryan

2. Le silence des agneauxAnnée : 1991 Réalisateur : Jonathan Demme

Face à des suites grotesques, des préquelles moindres et de nombreuses parodies, Le Silence des agneaux se présente toujours comme une œuvre d'art cinématographique parmi les drames policiers et les films de tueurs en série, seul le troisième film à remporter les cinq anneaux d'or d'Oscar-dom : meilleur film, réalisateur, acteur, actrice et scénario. La représentation par Anthony Hopkins du meurtrier Hannibal Lecter prouve en particulier la valeur d'entourer l'un des plus grands acteurs du cinéma avec une équipe de soutien stellaire, bien que le réalisateur Jonathan Demme manie habilement le pinceau de ce talent pour amener le public dans le monde sombre et sadique du Dr. Lecter tout en les laissant bouche bée devant les rebondissements de l'histoire horriblement merveilleuse du romancier Thomas Harris. Comme c'est le cas pour tous les grands films, les deuxième et troisième visionnages ne diminuent pas le trajet, mais révèlent à la place encore plus de subtilités de caractérisation. Et le propre style de Demme derrière la caméra fait du monde rapproché du Silence des agneaux un salon visuel inoubliable de grotesques. —Tim Basham

1. PsychoAnnée : 1960 Réalisateur : Alfred Hitchcock

Le grand. Le plus gros, peut-être, mais sinon, c'est quand même sacrément gros. Près de 60 ans après qu'Alfred Hitchcock a déchaîné Psycho sur une culture cinématographique sans méfiance, trouver de nouvelles choses à dire à ce sujet ressemble à une course de dupes, mais bon: cinq décennies et le changement, c'est long pour que l'influence d'un film continue de se répercuter sur la culture populaire, mais nous y sommes, en train de regarder les personnages principaux perdre la tête dans Game of Thrones, leurs entrailles dans The Walking Dead, ou leur vie, dans un langage moins fleuri, dans des films comme Alien, l'extraterrestre rip- off Life et, peut-être le plus important, Scream, le film qui est à l'horreur contemporaine ce que Psycho était aux films de genre à son époque. C'est à peu près la définition de "l'impact" ici (et tout cela sans même une seule mention du motel Bates d'A&E).

Mais maintenant, nous parlons de Psycho comme d'une curiosité plutôt que d'un film, et la vérité est que l'impact de Psycho est la conséquence directe de la maîtrise d'Hitchcock en tant que cinéaste et en tant que conteur. Autrement dit, c'est un grand film, aussi efficace aujourd'hui qu'il fait autorité : vous n'avez jamais rencontré un slasher (proto-slasher, vraiment) comme Norman Bates (Anthony Perkins), et peu importe combien de fois les films essaient de reproduire son personnage à l'écran, ils ne réussiront jamais tout à fait. Il est, comme Psycho lui-même, unique en son genre. —Andy Crump

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